jueves, 29 de septiembre de 2011

GEORGE SEURAT

Bañistas en Asnieres 1889
George Seurat
George Seurat, pintor francés nacido el 2 de diciembre de 1859, en París. Tuvo su formación artística en la Escuela de Bellas Artes. El impresionismo y sus pinceladas irregulares, junto con su efecto borroso, no convencieron a Seurat, quién  luego de varios estudios de la luz, y el color y su complementaridad, inventa este nuevo modo de pintar que es el Puntillismo. De este modo, construía las figuras con múltiples puntos de colores los cuales el ojo funde, por lo que le llamaron "impresionismo científico" a diferencia del otro impresionismo, que  catalogaron de más "romántico e intuitivo".
Muchas de las teorías de Seurat derivaban del estudio de los tratados de  óptica correspondientes a la época. Su obra maestra fue "Tarde en la isla de la gran Jatte" 1884-1886 (Instituto de Arte de Chicago).
Tarde de domingo en la isla de la gran Jatte 
El cuadro representa a personas disfrutando de una tarde de domingo, en una isla del Sena. En ella se observa un orden meticuloso en la composición y la realización de las figuras.
Muere el 29 de marzo de 1891, y fue el icono de la pintura del siglo XIX.
Ver más obras

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Pierre_Seurat

miércoles, 28 de septiembre de 2011

LA MAJA DESNUDA, de Goya

La maja desnuda
La maja desnuda, es la obra de Goya, más importante, pintada por encargo, entre 1790 y 1800, no hay certeza de la fecha exacta. Junto a ella está la maja vestida, que es la misma modelo y en la misma postura. Se cuenta que, el cuadro de la maja vestida estaba colocado sobre la desnuda, como para taparlo y este se corría para mostrar el otro. 
Duquesa de Alba
En ella se ve a una hermosa mujer posando cómodamente sobre una especie de sillón, sonriendo pícara, al pintor. En algún momento se llamó "La gitana". Se rumoreaba  que posó para esta obra, la Duquesa de Alba, de quién Goya fue amigo y con quien, se cree, tenía un amorío.
Ambas pinturas pertenecían a Manuel Godoy  y no está muy claro como llegaron a su poder.
El estilo del cuadro está enmarcado en el Neoclasicismo, por el dominio del dibujo y las tonalidades grises de sus colores. Es una obra muy audaz para la época, ya que por primera vez, aparece pintado el vello púbico femenino, lo que le da a la obra un toque erótico.
Destaca en la obra, el brillo que Goya le da al cuerpo en contraste con la oscuridad del fondo y la mirada expresiva de los ojos, que el pintor sabe dar con maestría. El color del cuerpo está dado con un juego de verdes en contraste con rosas y bancos. 
Se destaca también el hecho de que es el retrato de una mujer real, de carne y hueso y no sacada de la mitología, cosa que no era común ver por ese entonces, en un desnudo.
La maja vestida


Fuente: wiki

martes, 27 de septiembre de 2011

CAMILO MORI


Pintor chileno. Nació en Valparaíso el 24 de septiembre de 1896 y murió en Santiago el 7 de diciembre de 1973.
En 1914 ingresó a estudiar a la Escuela de Bellas Artes de Santiago, donde fue alumno de los maestros Juan Francisco González, Richon-Brunet, Alberto Valenzuela Llanos y Agustín Undurraga.
En 1920 realizó su primer viaje a Europa, en forma particular y con mucho esfuerzo se estableció en París, viajó también a Italia y España.
En París realizó estudios en talleres y academias libres de Montparnasse, donde vivió la efervescencia del centro artístico y cultural del mundo.
Leer su biografía completa aquí
"La viajera"


Fuente Portal del Arte

lunes, 26 de septiembre de 2011

CAMILLE PISSARRO

Hermitage Pontoise

Camille Pissarro, pintor impresionista, nace el 10 de Julio de 1830, en Santo Tomás (Islas Vírgenes). A los 12 años viaja a París y es allí donde nace su interés por la pintura. Pero al regreso a Santo Tomás, su padre no le permite estudiar arte, por lo que se pone a trabajar en el negocio de la familia y al mismo tiempo realiza bocetos inspirados en la isla.
En 1855 viaja a Paris nuevamente y estudia en la Escuela de Bellas Artes, en la Academia Suiza y también paisaje con Emille Corot. Conoce a Renoir, Monet, Manet, Sisley y Guillaumin, con los que formaron un grupo, que posteriormente se llamaría "impresionismo".
Village Path
Al comienzo su pintura estaba influenciada por la Escuela de Barbizon, con sus colores grises y apagados, pero poco a poco fue adquiriendo un estilo propio,con más luminosidad.
Entre 1870-1871, durante la guerra franco-prusiana, viajó a Inglaterra y fue entonces cuando saquearon su casa y destruyeron casi todas sus pinturas.
Los temas de sus obras eran paisajistas y costumbristas, pintando árboles casa y escenas campesinas. Más tarde influenciado por Seurat y Signac, incursionó en el puntillismo, pero no tuvo muy buena crítica y lo abandonó, retomando el impresionismo.
Camino de Louveciennes
Aquejado de una enfermedad a la vista, deja de pintar paisajes al aire libre y de dedica a pintar escenas urbanas de gran belleza. Se traslada a Ruán, donde pinta excelentes temas del puerto y la ciudad.
Finalmente se va a Paris, donde muere, en 1903.
Fuente: Artehistoria.com

domingo, 25 de septiembre de 2011

PINTURA Y ESCULTURA



Les recuerdo que es la última semana para visitar la exposición "EX TOTO CORDE".
Los que aún no la han visto y  los que quieran repetir  la visita, quedan cordialmente invitados. 
Presentar invitación en portería.
Los espero.

sábado, 24 de septiembre de 2011

JULIO ROMERO DE TORRES

Mujer con guitarra
Julio Romero, conocido por sus pinturas de la mujer andaluza.
Este pintor nació en Córdoba, Andalucía, en el año 1880. Su padre Rafael Romero Barros, que también era pintor, lo inició en el arte desde que era pequeño.
Su pintura fue calificada como valiente y concisa. Al principio sus obras estaban marcadas por un realismo social y además por el impresionismo y el modernismo simbolista.
Vivió intensamente y pintó más de 220 obras, especialmente de mujeres. Entre las que destacan las mujeres bíblicas como Salomé, Ruth, etc y los magníficos desnudos la Gracia, el Pecado y otros.
La Gracia
Fué profesor de arte en la Escuela de bellas Artes de Córdoba  En la exposición de Barcelona en 1911, recibe el Primer Premio por su cuadro el Retablo del amor, siendo este el primero de los muchos premios que él ganó.
El retablo del amor
El 10 de mayo de 1930, a consecuencia de una dolencia hepática muere Julio Romero en su finca de Córdoba, España.

Su obra se puede admirar en el Museo Julio Romero de Torres de Córdoba.

jueves, 22 de septiembre de 2011

BOB DYLAN, también es PINTOR

"The Asia Serie"es la muestra de 18 pinturas del conocido cantautor estadounidense y su desconocida faceta como pintor.Las pinturas son realizadas en sus viajes al continente asiático.
desde el martes y hasta el 22 de octubre, se exhibirán las obras en la Galería Gagosian.
Dylan al igual que en su música aplica un espíritu renovador.
Esta muestra está basada en temas como calles, arquitectura y gente  que él ha captado en sus viajes a China y Japón, en sus giras como cantante. En ella muestra su gran capacidad como observador de la realidad y costumbres.
El lleva pintando desde los años 60 y se ha hecho acreedor al Premio Principe de Asturias el 2007.
El 2008, expuso en el Statens Museun of Copenhague, "The Brazil Series", una serie de acrílicos relacionados con temas de este país latinoamericano y que aún se pueden ver allí.
The Brazil Serie"
elmundo.es 

miércoles, 21 de septiembre de 2011

Exponen en Chillán obras del Concurso de Pintura “Valdivia y su Río 2011″

Primer lugar, por envío

El miércoles 21 de septiembre de 2011 a las 12:00 hrs será inaugurada en Chillán la exposicisón de las obras seleccionadas en el XXIX Concurso Nacional de Pintura “Valdivia y su Río 2011″. En el Hall del Teatro Municipal de Chillán, primer piso, serán expuesta las obras hasta el viernes 31 de este mes. El concurso se realizó en tres categorías, que son In Situ Figurativo, In Situ Experimental y Envío.
Seguir leyendo aquí.

martes, 20 de septiembre de 2011

"EL ÁNGEL HERIDO"


" EL ángel herido" obra del artista, finlandés, Hugo Simberg. Es una obra al óleo, que mide 127 x 154 cm. y fue pintada en 1903.
En ella aparece un ángel, en el centro, con su vista vendada y en el ala hay sangre, el está con una túnica blanca, igual que la venda y las flores que lleva en la mano. Los niños que lo conducen, visten ropas oscuras en señal de duelo. 
Es el más importante trabajo de Simberg y fue votada como "La pintura Nacional", en una votación realizada por el Museo Ateneum de Arte el 2006.
El pintor nunca quiso explicar el significado del cuadro, dejando al observador que lo interpretara. Coincide su creación, con una meningitis del autor, atribuyendole a eso, el sentido triste del tema.
Este cuadro tan significativo para la cultura finlandesa, ha sido recreado en diversas ocasiones e incluso sirvió de tema para el video musical de Amarath, en la canción Nightwish.

lunes, 19 de septiembre de 2011

"LA MUERTE DE OFELIA"

"En las aguas profundas que acunan las estrellas, blanca y cándida
Ofelia flota como un gran lirio,
flota tan lentamente,
recostada en sus velos..."


(Rimbaud)


"La muerte de Ofelia", óleo sobre lienzo de John Millais, perteneciente a la Cofradía de los Prerrafaelistas, creada en 1848.
En este cuadro el autor recoge toda la carga alegórica de la obra de Shakespeare, poniendo violetas en el cuello, signo de muerte prematura y esparcidas por el agua ciertas flores con significados, de muerte, soledad y desengaños.
Ofelia yace con su rostro inanimado, sus manos oferentes dejando escapar algunas flores y su larga cabellera flotando en la tranquilidad de la muerte.
Elisabeth, retrato de Rosetti

Algo sobre la modelo: 
Ella era Elisabeth Siddal, modelo de varios pintores. Estaba cadada con el pintor Rosetti y al parecer, amor imposible de Millais.
Gozaba de una exótica belleza, de figura delgada, alta y con una llamativa cabellera roja. 
La modelo permaneció por más de 4 horas en una bañera de agua fría, posando para que el pintor pudiera realizar la obra. A raíz de esto, contrajo una neumonía. Su padre profundamente enojado con Millais, le exige pagar los gastos de la enfermedad.
Elisabeth, se recupera, pero la enfermedad la deja debilitada, a lo que se suma un engaño de su esposo con otra modelo.  
Una noche, de vuelta a casa, su marido, la encuentra muerta a causa de una sobredosis de láudano, el que usaba para dormir. Rosetti, comprendió de inmediato que se había suicidado y arrepentido deja a su amante y se recluye en una quinta para dedicarse a la poesía, terminando también él  por suicidarse, en 1872, con láudano, al cual se había hecho adicto.


Una triste historia, de la modelo, del más triste e impactante cuadro.


http://www.uninet.edu/remi/2004/09/ofelia.htm

domingo, 18 de septiembre de 2011

IGNACIO ZULOAGA

Ignacio Zuloaga nació en Eibar, en el país vasco, en 1870 y murió en 1945 en Madrid.
Comenzó trabajando en el taller de damasquinado de su padre y visitó frecuentemente el Prado para aprender de los Grandes maestros, como copista.
A los diecinueve años viaja a Roma y luego a Paris donde toma contacto con los pintores como Degas y Gauguin  en el estudio de la Palette, donde enseñaba Chavannes, aprendiendo las técnicas del impresionismo.
Su pintura se caracteriza por la crudeza de su dramatismo. 
Se ve la influencia de Goya en la pincelada de trazo grueso y en la composición.
Su visión de España se identifica con la generación del 98. Pinta los tipos españoles y la Castilla ruda y empobrecida, inspirandose en los pueblos y los campesinos, que es donde mejor se conservan las tradiciones.
Posteriormente rehusa al impresionismo realizando un estilo propio en el que  predomina la pastosidad y las curvas decorativas procedentes del modernismo.
El gusta de temas de mujeres típicas, retratadas con sus vestimentas de la época, con sus abanicos y mantones, entrando así en la pintura costumbrista de principios del siglo XX, ejecutando los temas, con colores brillantes y cercanos al expresionismo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Ignacio_Zuloaga

sábado, 17 de septiembre de 2011

UNA PINTURA Y UN POEMA de García Lorca


Y que yo me la llevé al río 
creyendo que era mozuela, 
pero tenía marido. 

Fue la noche de Santiago 
y casi por compromiso. 
Se apagaron los faroles 
y se encendieron los grillos. 
En las últimas esquinas 
toqué sus pechos dormidos, 
y se me abrieron de pronto 
como ramos de jacintos. 
El almidón de su enagua 
me sonaba en el oído, 
como una pieza de seda 
rasgada por diez cuchillos. 
Sin luz de plata en sus copas 
los árboles han crecido, 
y un horizonte de perros 
ladra muy lejos del río. 

Pasadas las zarzamoras, 
los juncos y los espinos, 
bajo su mata de pelo 
hice un hoyo sobre el limo. 
Yo me quité la corbata. 
Ella se quitó el vestido. 
Yo el cinturón con revólver. 
Ella sus cuatro corpiños. 
Ni nardos ni caracolas 
tienen el cutis tan fino, 
ni los cristales con luna 
relumbran con ese brillo. 
Sus muslos se me escapaban 
como peces sorprendidos, 
la mitad llenos de lumbre, 
la mitad llenos de frío. 
Aquella noche corrí 
el mejor de los caminos, 
montado en potra de nácar 
sin bridas y sin estribos. 
No quiero decir, por hombre, 
las cosas que ella me dijo. 
La luz del entendimiento 
me hace ser muy comedido. 
Sucia de besos y arena 
yo me la llevé del río. 
Con el aire se batían 
las espadas de los lirios. 

Me porté como quien soy. 
Como un gitano legítimo. 
Le regalé un costurero 
grande de raso pajizo, 
y no quise enamorarme 
porque teniendo marido 
me dijo que era mozuela 
cuando la llevaba al río.
García Lorca

viernes, 16 de septiembre de 2011

"CONFLUENCIAS" EXPOSICIÓN DE ESCULTURAS

Este exposición es una restrospectiva de diferentes escultores que han formado parte del taller desde sus orígenes en la Casona de Nemesio Antúnez hasta el día de hoy en el Taller abierto del Parque Mahuida. Esta idea surge como una iniciativa de reunir y concretar un documento histórico que recree las diferentes generaciones de Artistas que han pasado por este lugar. Para poder realizar esta exposición, tuvimos que hacer un trabajo de investigación, que nos permitiera establecer nuevos vínculos con diferentes escultores que han pasado por este lugar, logrando después de varios meses concretar un pequeño resumen de un recorrido de casi 15 años, donde un milímetro de kilómetro de historias y anécdotas de todo tipo, son compartidas hoy con la comunidad.
Esta exposición fue organizada y financiada por por los actuales artistas miembros del Taller Abierto "Roberto Phohlhammer", quién al igual que su fundador, viven la escultura con sinceridad y energía trabajando día a día con el anhelo de querer construir un mundo nuevo y mucho mejor.

Andrés Galáz, coordinador general Taller Abierto Roberto Pholhammer.


Alejandro Muñoz

Andrés Galáz

Camila Poblete

Isabel Arriagada

José Luis Gonar

Lidia Achurra
Vicente Frades

jueves, 15 de septiembre de 2011

MUERE RICHARD HAMILTON, pionero del Pop Art

"Que es lo que hace las casa de hoy tan diferentes, tan atractivas"
El británico Richard Hamilton, considerado por muchos el pionero del movimiento Pop Art, explorado entre otros por artistas como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, murió a los 89 años, informó su galería. Hamilton, que residía en el Reino Unido, falleció esta mañana, tras una larga enfermedad cuando trabajaba en una retrospectiva que iba a exhibirse en 2013 en Los Ángeles, Filadelfia, Londres y Madrid. 
Pionero admirado por varias generaciones. Su trabajo más icónico es "Qué es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas" (1965), un fotomontaje donde aparece la palabra "pop" en una raqueta y al que muchos consideran la primera obra que se inscribe totalmente en el movimiento Pop Art. El montaje muestra a una mujer desnuda con una lámpara a modo de sombrero y a un culturista con un enorme chupa-chups con la palabra "Pop" en la mano, ambos rodeados de aparatos de uso diario como un televisor y una aspiradora. Otra de sus creaciones más famosas fue la carátula del "White Album", el doble disco de los Beatles que impactó, además de su contenido, por una portada de ese color con únicamente el nombre de los "fab four". El galerista Larry Gagosian, que llevaba su obra, definió a Hamilton en un comunicado como un "artista pionero", con una "incomparable influencia en las generaciones que le sucedieron". "Fue muy admirado por sus colegas, entre ellos (Andy) Warhol y (Joseph) Beuys. Hamilton produjo series exquisitas de pinturas, dibujos e impresiones que abordan temas como el 'glamour', el consumismo, el consumo y la cultura popular", dijo por su parte el director de la red de galerías Tate, Nicholas Serota.
Popular, joven y sexy El artista británico, aunque menos conocido para el gran público que otros integrantes del movimiento Pop Art como Andy Warhol, tuvo sin embargo una gran influencia sobre varias generaciones de creadores. Hamilton recordaba en declaraciones recientes a la prensa algunas de sus obras más innovadoras de los años 50, como "Homenaje a la Chrysler Corporation" o "Pin-Up", y se quejaba de la incomprensión y la falta de apoyo de la crítica en aquel momento. Hamilton definía el Pop Art como una disciplina "popular -se dirige a una audiencia de masas-, efímera -es una solución a corto plazo-, fungible -se olvida fácilmente-, de bajo coste, producida en masa, ingeniosa, sexy, joven, efectista, glamourosa y un gran negocio".


Fuente rtv.es

miércoles, 14 de septiembre de 2011

STEVE HANKS, acuarelista

Steve Hanks, nace en 1949, en San francisco. Al comienzo pintaba a lápiz y óleo, pero una reacción alérgica a ellos, lo llevó a pintar con acuarela.
El llama a su estilo, "realismo emocional", muchas veces oculta el rostro de las personas, para que sea la figura entera la que transmita las emociones.
La luz del sol y su incidencia en las cosas, ha sido el tema principal de sus obras, mostrando el efecto a través de las cosas o alumbrando el interior de una habitación.
Podemos ver su obra en este maravilloso vídeo que tomé prestado de youtube. 

martes, 13 de septiembre de 2011

WARHOL Y BASQUIAT, juntos en una misma tela


Entre 1983 y 1985 Warhol y Basquiat, pintaron en conjunto la misma tela, firmandola los dos, llegando a contar con más de 130 obras, juntando al rey del pop art y al juvenil y osado pintor callejero.
Desde muy joven Basquiat visitó el taller- factoría de Andy Warhol.
Iniciaron esta idea de pintar en conjunto aconsejados por el marchante de Warhol Bruno Bichofberger, comenzando así una frenética carrera de pintura a duo.
Pero todo terminó tras una exposición en la Galeria Shafrazi de New York, donde Warhol fue fuertemente criticado por explotar el genio de Basquiat, ( a quién apodaban "mascota"), en beneficio propio.
Luego de este suceso ya no se ven más. Basquiat, profundamente herido por esta crítica ya no vuelve más al taller de Warhol. 


Actualmente se exponen en Warhol & Basquiat, una muestra del ARKEN Museum of Modern Art de Ishøj Dinamarca. 


Fuente: Articulo de Anxel Grove

lunes, 12 de septiembre de 2011

LINNEA STRID y el agua

Me desgarran
Linnea Strid, nace en Austria, en 1983 y permanece allí hasta los 16 años, que es cuando sus padres deciden irse a vivir a Fuengirola, España. Permaneció allí durante toda su adolescencia y es allí también,  donde comienza su carrera como pintora.
Luego retorna a Suecia y estudia en la Escuela de Arte, durante 4 años.
Mírame a la cara
En un estilo hiperrealista, casi fotográfico, trata de transmitir sus emociones y estados de animo, siendo ella muchas veces la modelo y  valiéndose para ello de la fotografía y usando el agua en casi todas sus composiciones,  logra llenar de sensaciones sus obras.
Un cierto sabor de la vida
Trabaja pintando, a tiempo completo.Para pintar usa el óleo sobre madera de distintos tipos.
Más imágenes aquí

domingo, 11 de septiembre de 2011

TRAN NGUYEN, pinturas terapéuticas


"Me propongo que mi obra sea un parachoques para las malas experiencias y los tiempos difíciles", dice Tran Nguyen, ilustradora estadounidense de origen vietnamita. Cree en el poder terapéutico de una imágen. 
Los rombos amarillos que aparecen en sus obras, demuestran su admiración por el arte Moderno y la influencia de Klimt.
Nos cuenta que su musa inspiradora son los problemas, de otras personas, conocidas o no, pero que estos problemas no son los de ella.
Elabora sus obras con capas vidriadas de acrílico que al final define con lápiz, realizadas sobre papel.
The colour of a colorless soul







What the world doesn't know

http://www.anormalmag.cl/entrevistas/tran-nguyen/ 

sábado, 10 de septiembre de 2011

GEORGE TOOKER, realismo social


Landscape with figures
 George Tooker, pintor norteamericano cuyo estilo esta asociado al realismo mágico y realismo social.
A pesar de su homosexualidad, su obra no fue homoerótica, si no que se preocupa más de la realidad socialde su país.
Retrato de Tooker por Brown´s
En sus figuras, los hombres y las mujeres se confunden en un solo género, que vive explotado por la maquinaria social y sufren los mismos problemas. Sus personajes con miradas ausentes, como perdidas en pensamientos íntimos, sin prestar atención a la realidad. Representa al ser humano mecanizado por la rutina, que a pesar del progreso, no logra ser feliz. Parecen muertos vivientes circulando como robot en un ir y venir sin sentido. Tooker usa su pintura para hacer justicia social.
Fue hijo de un padre anglo-francés y la madre cubano-americana.
El metro
Desde los 7 años demuestra su atracción por el arte. Toma clases con Malcolm Fraser, cuyo trabajo se inspira en la escuela de Barbizon. Comienza a estudiar en Bellport High School. Se especializa en Harward y para completar sus estudios  de arte entra a la Art Student de New York, donde fue alumno de Reginald Marsh y con  el aprende la técnica del Temple. Tooker se siente cómodo con su estilo y técnicas del Renacimiento a pesar que por ese entonces estaba dominando el expresionismo abstracto de Jackson Pollock.
Broad street rewiew
En 1949, conoce a quién sería su pareja, William Christopher, en un viaje que realiza a Italia.
En 1950 el Museo de Whitney le compra el cuadro "El Metro" y así comienza su fama y a  presentar sus obras en importantes Galerías.
La salud de Christopher, comienza a deteriorarse y se trasladan a España buscando un clima más cálido pero finalmente muere en Málaga, en 1973.
En 1974, Tooker regresa a Estados Unidos, donde fue elegido miembro de la Academia de Artes y Letras. El 2007 recibe la Medalla Nacional de las Artes. Finalmente fallece por una insuficiencia renal el 27 de marzo de 2011.