BASES PARA PARTICIPAR EN EL SALÓN NACIONAL 2017. INVITA, SOCIEDAD NACIONAL DE BELLAS ARTES

Acuarela

La Sociedad Nacional de Bellas Artes, tiene el honor de invitar a todos los artistas nacionales y extranjeros, que hayan obtenido Primero, Segundo, Tercer premio y/o Mención Honrosa, en alguno de nuestros Salones, a participar en el Salón Nacional año 2017. Este Salón ha premiado la trayectoria de pintores profesionales desde 1920, lo que lo ha convertido en el Salón más importante de nuestra Sociedad y del ámbito de las Artes. Se realiza tradicionalmente durante el mes de octubre de cada año, en el Palacio La Alhambra, sede de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, calle Compañía 1340.

PARTICIPANTES: Los artistas pintores pueden participar en este Salón sólo en la técnica premiada. (Por ej. si en un Salón obtuvo premio en acuarela, debe presentar obras en acuarela, etc.). Los artistas que ya han obtenido la Medalla de Oro, pueden presentar una obra y así optar solamente a premio de Certamen.

TEMA:     Libre.

OBRAS: Las obras deben ser inéditas. No se aceptarán obras que sean copias de otros pintores ni reproducciones en tela. Tampoco se aceptarán obras presentadas en Salones anteriores y/o años anteriores de la misma Sociedad. Esto será causal de eliminación aunque hubiese obtenido recompensa, la cual se anulará.

PRESENTACIÓN:    Las obras deben estar firmadas, con su identificación al dorso.

FORMATO:               Mínimo:    40 x 50 centímetros, incluido el marco.

                                    Máximo: 150 x 150 centímetros. Las obras de una dimensión superior o inferior a las señaladas, serán rechazadas AL MOMENTO DE SER PRESENTADAS. En el caso de la Acuarela, Pastel y Dibujo se consideran las medidas sin el paspartú.

RECEPCIÓN: En el Palacio La Alhambra, Compañía 1340, del 02 al 13 de octubre de 9,30 a 13,30 horas y de 18 a 20,30 horas.

JURADO:      Todas las obras serán sometidas a un Jurado de Admisión y a un Jurado de Premiación, el que estará compuesto por el Presidente de la S.N.B.A., y artistas pintores de reconocido prestigio, quienes discernirán la premiación el día 16 de octubre de 2017 a las 19,30 horas. El Jurado se reserva el derecho de eliminar las obras que no cumplan con las Bases de este Salón.

PREMIOS:

a)                     DE CERTAMEN: Fundación Adriasola, Fundación Edwards Matte. Cada uno de estos premios es otorgado por un jurado designado por cada una las entidades nombradas.

b)                     DE TRAYECTORIA:

                        1.         Mención Honrosa.     

                        2.        Medalla de Bronce.

                        3.         Medalla de Plata.

                        4.         Medalla de Oro

●          Los artistas pintores que han obtenido Medalla de Plata y postulan a Medalla de Oro, deben presentar 3 obras.

            El artista pintor que obtenga Medalla de Oro, se compromete a donar el cuadro premiado, que pasará a formar parte del Museo de la Sociedad.

●          Los pintores que han obtenido Medalla de Bronce y postulan a Medalla de Plata,  deben presentar 3 obras.

●          Los artistas pintores que han obtenido Mención Honrosa y postulan a Medalla de Bronce, pueden presentar hasta 3 obras.

●        Los artistas pintores que han obtenido premio en otros Salones, y postulan a Mención Honrosa, pueden presentar hasta 3 obras.

El resultado será publicado en la página Web de la Sociedad:  www.snba.cl

INAUGURACIÓN: El Salón Nacional se inaugura el lunes 23 de octubre de 2017 a las 19,30 horas y la muestra permanecerá abierta hasta el 10 de noviembre de 2017.

                                               .

INSCRIPCIÓN: 

a)       SOCIOS CON SUS CUOTAS AL DIA: $ 2.000 por obra, con un tope de tres obras.  

b)      NO SOCIOS, $ 4.000 por obra, con un tope de tres obras.

Mayores informaciones:  Fono 226980875.- Fax  226885021

                                               Email: info@snba.cl - bartes1340@gmail.com

                                               www.snba.cl          

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ACEPTACIÓN DE LAS BASES:

*          La sola participación en el Salón, implica acatar las Bases.

*          La Sociedad Nacional de Bellas Artes, no se hace responsable por situaciones

            fortuitas o de fuerza mayor. (Robo, incendio, terremoto, inundaciones,  etc.).

*          La Sociedad Nacional de Bellas Artes entregará certificado de participación.

*          Las obras no retiradas antes del plazo de 90 días, quedarán a disposición de la Sociedad, la cual dispondrá libremente de ellas.

*          En ningún caso se devolverá el valor de la inscripción.

Santiago, septiembre de 2017

                                                        EL DIRECTORIO

                                                                S N B A

MANGA O ANIMÉ, ¿quieres aprender a hacerlo?

Manga, es el nombre con  que los japones denominan al cómic  o dibujos animados. Man= informal y Ga= dibujo, osea un dibujo libre.
El manga moderno, nace en 1947, con el estudiante de medicina, Tesuka Osamu, amante de las historietas de Disney, las cuales usa como inspiración. La primera historieta que hizo fue de robots, PUTCHA, obteniendo esta un éxito inusitado, por lo que se dedica a crear mas series, teniendo con ellas la misma suerte que con la anterior, la seria de  mayor éxito fue Tatsuwan Atom (Astro Boy).
Su estilo con los personajes de ojos grandes y rasgos occidentales, fue copiado por otros artistas, obteniendo tanta popularidad como él. Entre ellos cabe mencionar a Akira Toriyama, con su serie Dragon Ball Y Dr. Slump, Rumiko Takahashi con Ranma 1/2, Mazakazu Katsura con Video Girl, entre otros.

Podemos tener más información del tema aqui
Pero si te ha entusiasmado el tema y quieres aprender a hacer manga, entonces te dejo este link

y si te ha gustado me puedes dejar un comentario...

LA ALACENA, de Antonio López

                "La alacena" , de Antonio López

La alacena (óleo sobre tabla, 200 x 100 cm), pintada en 1963, es una obra emblemática en la producción de Antonio López. Técnicamente, presenta una factura densa a la que el pintor incorpora algunos recursos procedentes del surrealismo y del informalismo, como las manchas, raspaduras e, incluso, añadidos de materia. En ese sentido, en La alacena se incorporó polvo de mármol que, posteriormente, fue quemado. Mediante este procedimiento, el aglutinante de la pintura -es decir, el aceite- desaparece o se reduce y la pintura, aplicada sobre tabla, adquiere un aspecto seco y rugoso, a veces cercano a la apariencia de la pintura mural. Por su tema y recursos, pertenece a un conjunto de obras, a menudo calificadas como surrealizantes, en las que lo fantástico y lo afectivo irrumpen en la vida cotidiana. Al gusto por la representación de lo real -un conjunto de objetos de uso común dispuestos sobre un mueble-, se suman presencias y objetos inquietantes que invitan a la reflexión. Así, un busto femenino suspendido en el ángulo superior izquierdo -un retrato, en realidad, de su mujer- aparece como una presencia tutelar que, como en la tradición clásica o en los exvotos populares, protege del caos al microcosmos doméstico. La vela encendida, y también suspendida en el aire, refuerza este significado y añade un matiz de fugacidad, que aparece además en las flores y frutos representados. Esta concurrencia de lo sobrenatural en lo cotidiano pone en relación estas obras con el barroco español, y, como en los bodegones de Sánchez Cotán, la mirada intensa y concentrada del pintor sobre los objetos otorga a la obra de un halo sobrenatural y mueve al espectador a una contemplación ensimismada y reflexiva. A este aire de ensoñación metafísica, de sugerencia de lo invisible a través de lo visible, contribuye enormemente el uso de la luz, o más bien de la penumbra, que baña los objetos y refuerza la sensación, a menudo presente en las obras de Antonio López, de silencio y ausencia de tiempo.
Fuente: Museo de Bilbao

COMO PINTAR FLORES CON ACUARELA

                             
La acuarela es una técnica, algo más difícil que el óleo, ya que se requiere tener bien  claro que color se va a usar, porque el papel húmedo, se ensucia con facilidad si ponemos un color encima de otro, lo que no sucede con el óleo, el cual podemos repasar varias veces. El valor primordial de la acuarela es su transparencia y limpieza del color.

Técnicas básicas de la acuarela

LIGHTGRAFF, dibujar con la luz en la oscuridad

"Lightgraff", o graffiti de luz es el resultado de fotografiar una luz en movimiento, guiada por la mano del artista, y la exposición fotográfica, se hará con una velocidad lenta del obturador, más o menos 1 segundo. Estas tomas se realizan generalmente de noche o en un cuarto oscuro y el artista irá realizando dibujos de extraordinarios efectos.
La fuente de luz se puede usar tanto para dibujar como para rellenar los dibujos.

El pionero de esta técnica fue Frank Gilbreth, quién experimento por primera vez en 1914, con pequeñas luces y el obturador abierto para producir movimiento.
En la actualidad las máquinas digitales han facilitado este trabajo ya que los resultados se puede ver inmediatamente.
Uno de los artista contemporáneos que practica esta técnica en forma genial es Brian Matthew Hart, a quién pertenecen las imágenes.


Fuente Neva españa

LA ESCUELA DE BARBIZON

Las segadoras de Millet

La Escuela de Barbizon la formaron un grupo de pintores franceses, contrarios al sistema vigente, no solo en lo plástico  si no que también en lo social.
Huyen de Paris y se establecen en el pequeño pueblo de Barbizon, cerca de Fontainbleau y nace así La Escuela de Barbizon, entre 1830 y 1870.
Este grupo forma parte de realismo pictórico francés, en oposición al Romanticismo de Delacroix y de Gericault.
En 1824, una exposición de Constable hizo que varios pintores abandonaran el estilo imperante, el academicismo y el formalismo para dedicarse a pintar la naturaleza , al aire libre, pasando a ser las escenas de naturaleza la temática más usada por ellos, dando origen así a dicha escuela.Algunos de los pintores que formaron parte de ella fueron: Theodore Rousseau, Camile Corot, Jean Francois Millet, Charles Francois Daubigny, entre otros.
Los artistas mantuvieron el estilo realista pero con un cierto toque de romanticismo. Este estilo influyó en toda la pintura del siglo XX y muy especialmente en el impresionismo.

La danza de la ninfas, Corot

Se dedicaron de lleno a estudiar la naturaleza, dándole al paisaje un tono un tanto dramático.
Millet por su parte fue el primero en icorporrar la figura al paisaje, captando la vida campesina, pintando así al hombre en su entorno natural como ejemplo tenemos "Las segadoras", en ella no hay dramatismo ni denuncia social, sólo se muestra la realidad por sí misma.

Sevres, Corot

Fuente: wiki, Historia del arte

JACEK KACZYNSKI, surrealismo digital

Jacek Kaczynski, artista polaco, conocido también como "wuwejo". Realiza su obra con Photoshop y la mayoría es en blanco y negro, de gran profundidad y  esmerado dibujo. Aunque las obras de Jacek, son un tipo de arte, al que no estamos acostumbrados, vale la pena conocerlo.
Te dejo imágenes de obras.

ARTE DIGITAL

Es una disciplina de las artes plásticas, en la que para su realización se requiere de elementos digitales para producirlo y exponerlo, tales como la computadora, que en base a diversos programas,calcula y diseña para crear una imagen. Las técnicas utilizadas son variadas, como la 3D.

Charles Csuri, es considerado el impulsor del arte digital mediante computador y de la animación. Fue el primer pintor en ganar el concurso de la revista Computer and Automations, con un retrato suyo tratado mediante un programa de computación.

GRAFFITI EN CHILE

"Los graffitis se han hecho cada día más conocidos; la mayoría de las murallas están pintadas y somos varios los que nos dedicamos a esto; no sólo lo hacemos en nuestro barrio o comuna, sino que salimos a buscar murallas vacías por toda la ciudad", señala el graffitero. "El Chelo" agrega que cada persona tiene un "tag", una firma, " y la mía es Use Mago, por ejemplo".
Continua aquí          

¿QUE ES LA PINTURA MATE?

La Pintura Mate es una mezcla entre manipulación fotográfica y pintura digital. Cuando estas mirando un making of de una película y ves esos fondos gigantes, pintados de verde o a veces de azul detrás de la acción que se desarrolla, es trabajo del artista de pintura mate llenar esos espacios y reemplazarlos luego con fondos en post producción. Pero no cualquier fondo, Estos artistas crean mundos maravillosos, que para nuestras mentes realmente existen, pero jamás estuvieron ni estarán allí.

REALISMO MÁGICO

René Magritte

Es una tendencia que surge el año 1918 y se desarrolla hasta el presente, tanto en América como en Europa.

Consiste en introducir un elemento inesperado o improbable en una obra predominantemente realista.

Es un intento de redescubrir el elemento mágico que existe en la realidad.

Es un reflejo artístico de las ideas filosófico-psicológicas de Carl Jung, siquiatra, psicólogo y analista suizo, que afirmaba la necesidad del hombre de completarse juntando la realidad  con lo irracional.

El término fué usado por el crítico alemán Franz Rob en su libro "Realismo mágico, post-expresionismo" (1925).

La diferencia entre el surrealismo y el realismo mágico radica en que este último trata de lo improbable, el surrealismo de lo imposible.

Pierre Roy

Un pintor surrealista emplea la misma técnica mágicosrealista, pero incluye en sus cuadros yuxtaposiciones imposibles, como por ejemplo una locomotora saliendo de una chimenea. En cambio la presencia de una culebra en la escalera de un edificio de departamentos, en un cuadro de Pierre Roy, es totalmente inesperada, improbable pero no imposible.

El realismo mágico descubre el elemento mágico de la vida, sin deformarlo, el surrealismo en cambio se entrega mucho más a las deformaciones oníricas.

EL MAQUINISMO

Umberto  Boccioni

El interés por el maquinismo surge a principios de siglo XX.

Umberto Boccioni- El ciclista

Algunos artistas italianos, se entusiasmaron con el movimiento, la velocidad y el dinamismo observados en esta nueva época y quisieron representar en sus pinturas, este dinamismo y velocidad.

Ellos pretendían liberar el arte de sus limitaciones y celebrar la belleza de la era moderna.Todos ellos eran futuristas.
Italianos:

Gino Sevarini


Franceses

Giacomo Balla (1871-1958).

                  

Delaunay

Fernand Leger

EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Los elementos formales del expresionismo abstracto, provienen de la abstracción post-cubista y del surrealismo. Aunque los expresionistas abstractos rechazaban, tanto el cubismo como el surrealismo, resultaron influenciados por ellos especialmente en los primeros tiempos.
Este movimiento nace después de la segunda guerra mundial y por eso se explica, en parte, el contenido emocional de los expresionistas abstractos.
Fueron apoyados por asociaciones y galeristas con el afán de renovación del propio país.

Quién lidera este movimiento es Ashile Gorky (1904-1948). Hacia 1936 abandona la figuración y bajo la influencia del chileno Roberto Matta descubre un nuevo lenguaje formal optando por la figuras abstractas biomorfas.
Otros artistas que se destacaron William Baziote (1912-1963) y Hans Hoffman (1880-1966)
Al final este movimiento se fue dividiendo en dos tendencias: Action Painting y campos de color.

William Baizotes

SURREALISMO

El surrealismo surge efimeramente con el Bosco, pero es en 1924 con el escritor francés André Breton y su manifiesto surrealista que se vuelve movimiento.
Breton pretende asociar la espontaneidad de expresión que habían promovido los dadaistas con la misteriosa mecánica de los sueños y del inconsciente que Freud ha descubierto.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas, las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Grandes surrelistas son Magritte, Dali y Ernst.

De Magritte es particularmente conocido el cuadro "El placer".
En esta obra, una niña vestida con refinados encajes muerde un pájaro aún con plumas, manchando su ropa.
Contrasta la inocencia de la niñez con lo horrible de la actitud y la elegancia de la ropa y la crudeza de la actitud.

Dali, muestra los objetos más comunes bajo formas inesperadas (relojes blandos), asocia formas definidas y otras imprecisas, juega con la ambigüedad de las formas que pueden pertenecer a la vez a objetos distintos.

Max Ernst le interesa la locura y logra fama con el escándalo de la cervecería Winter en colonia en 1920. Ahí en su periodo "dada" expone obras rechazadas en la sala trasera de un urinario y propone al público los medios para destruirla.
Ernst, es el autor del primer cuadro surrealista: "El Elefante Célebes". El elefante es más bien un conjunto de objetos organizados para dar la impresión que se ve a un elefante desde atrás. Además el elefante parece ser una caldera gigante con un tubo grande y doblado como cola, por lo que crea la sensación de un animal metálico, y con elementos como la caldera, y algo como cabeza de vaca al final de la cola, fruto de la elección al azar de los elementos del cuadro por parte de Ernst.

LA ABSTRACCION PURA

Paul Klee

Los pintores abstractos, hacen uso de las líneas y colores para producir emociones.

Dejan totalmente a un lado los cánones establecidos en la pintura, abriendo paso a la creatividad y enriqueciendo el lenguaje de la pintura, que surgió de sus propios elementos, el color, textura, los valores, etc.

La riqueza y validez de este estilo, es que se acerca a lo desconocido, lo nuevo y lo oculto.

La abstracción prescinde de todo elemento que lo conecte con la realidad. Se queda solo con el concepto y la belleza. Simplifica las formas hasta perderlas y se queda con las formas más simples y el color, incluso prescinde del título para no tener ninguna conexión con la realidad.

Es un arte incomprendido ya que es totalmente contrario a la pintura anterior y sin referentes históricos.

Algunos pintores abstractos:

Kandinsky, Picasso, Rothko, Paul Klee

Kandinsky

EXPRESIONISMO

Kokoschka

Este movimiento aparece en la primera década del siglo, gracias a los descubrimientos y audacias, de los postimpresionistas, en especial Gauguin y Van Gogh.

El expresionismo, si hablamos semánticamente, pareciera que es lo opuesto al impresionismo. Aunque no es tal, los expresionistas no muestran el lado alegre de la vida como los impresionistas lo habían hecho.Experimentan con deslumbrantes combinaciones de colores y sus líneas caricaturezcas, tratando de hacer como lo habían hecho aquellos, que expresaban lo que sienten, en especial su angustia frente a la vida.
Algunos pintores más conocidos:

Edward Munch y Oskar Kokoshka.

Munch

Kokoshka

 

 

 

https://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo

SIMBOLISMO

"EL ángel herido" Hugo Simberg (1873-1917)

En el siglo XIX, las artes plásticas no se deciden entre el atractivo del realismo y la seducción de lo espiritual.

La primera tendencia da origen al impresionismo y la segunda al simbolismo.

Este movimiento venido del norte, se basa en la mística, pero ejerce una influencia limitada.

El simbolismo al principio adquiere importancia en Inglaterra y en Alemania.

Desde principios de siglo W.Blake y luego los prerrafaelistas interpretan el cristianismo de manera hermética. El alemán C. D. Friedrich y los "nazarenos" se unen a este movimiento.

Pero fueron los franceses quienes finalmente recibieron la etiqueta de "simbolistas".

En la pintura combina aspectos ideológicos y metodológicos. Es la expresión del mundo interior.

Algunos pintores simbolistas:

Paul Gauguin, Olidon Redon, Gustave Moreau, etc

Olidon Redon

POSTIMPRESIONISMO

Gauguin

Este movimiento nace a fines del siglo XIX y se denomina así a un grupo de pintores impresionistas que querían rescatar el valor del dibujo y la preocupación de captar la luz, pero también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.

Es muy importante este movimiento porque con sus propuestas abre el camino hacia la renovación pictórica que tuvo por resultado los movimientos de vanguardia.

Podemos citar entre ellos el cubismo, fauvismo y expresionismo, que reciben su influencia.

Algunos postimpresionistas:

Henri Matisse, Paul Gauguin, Vicent Van Gogh, Joan Miró, etc.

IMPRESIONISMO

El impresionismo nace oficialmente, en 1874, cuando algunos artistas expusieron en el Salón des Refusés.

 Las obras que se expusieron tenían un aspecto inacabado y burdo, muy distinto y contrario al estilo usado hasta ahora, cuyas obras eran muy realistas y acabadas.

Estos artistas a pesar que tenían distinta manera de expresarse, coincidían en el deseo de conseguir más naturalidad en el arte y sus obras se caracterizan por su frescura y luminosidad.

Los pintores salen de sus talleres en que premanecian encerrados  hasta entonces, a pintar al aire libre, a captar el minuto de luz de un momento, a captar el instante, la "impresión".

Monet fué el que mejor representó este movimiento.

Claude Monet nace en Francia el 14 de noviembre de 1840 y muere el 5 de diciembre de 1926, en Giverny.

Monet pintaba al principio con estilo realista hasta la mitad de la década de 1860, al final de ella y en adelante lo hace como impresionista.

Su obra "Impresión, sol naciente", dió el nombre al movimiento impresionista.

En1890 comienza a pintar sus cuadros "en serie" en los que un mismo motivo es captado a diferentes horas del día, con distintas luces.

También en esta época empieza a formar su jardín en Giverny, donde luego pintaría los Nenúfares, en infinidad de grados de luminosidad. 

Algunos impresionistas:

Sisley, Renoir, Morisot, Degas, Sorolla, etc.

EL FAUVISMO

" Le desserte"

Entre los años 1901 y 1906 Paul Gauguin, Vicent Van Gogh y Paul Cézanne hicieron varias exposiciones accesibles al público, lo que despertó entre los artistas que los vieron un espíritu de liberación, empezando a experimentar con nuevos estilos.

El nombre nace de un crítico de arte, quién al ver una estatua clásica en medio de cuadros llenos de color exclama  " Se parece a Daniel en la fosa de las fieras" (en francés "les fauves").

El líder del grupo fue Henry Matisse (1869-1954). Lo que más le interesa es la simplificación y el efecto decorativo. Lo logra ambos pero se olvida de la dimensión, entrelazando partes de diferentes planos en uno solo y usando violentos contrastes de colores. 

Un ejemplo de esto es su obra "La desserte".

Ahí, la mesa y la pared, con una decoración común en rojo y azul parecen encontrarse en el mismo plano.

Algunos fauvistas: Rouault, Dufy, Braque, Vlaminck...