Los artistas tienen un cerebro diferente al resto de personas. Así lo afirma un estudio publicado en la revista ‘NeuroImage’ que asegura que los cerebros de los artistas y de los que no los son, son estructuralmente diferentes.
Del informe se desprenden conclusiones extraídas de diversos escáners y pruebas que dicen, en parte, que el talento de los artistas es innato. Los expertos advierten que el ambiente que les rodea de entretenimiento y su entorno son fundamentales para un desarrollo de habilidades más “especiales”.
Este estudio se realizó con un grupo de 21 estudiantes de bellas artes y 23 de disciplinas diferentes con un procedimiento de análisis de neuroimagen que permite observar la diferente actividad en la anatomía cerebral.
Así, el informe ha descubierto que los artistas tienen más materia gris en un área del cerebro llamada precúneo, situada en el lóbulo parietal.
Esta región del cerebro está relacionada con la creatividad, por los que los investigadores creen que podría ser el motivo diferenciador entre artistas y profesionales de otros sectores.
Los famosos Girasoles pintados por Van Gogh, hace más de 100 años atrás, se presentan como unas enormes flores, casi irreales, que las encasillan en el surrealismo.¿ Fueron estas, fruto de su imaginación y creación?, pues al parecer no, puesto que unos científicos expertos en biología botánica, experimentaron con cruce entre especies de girasoles, "salvajes", con los de flor doble, resultando enormes flores, lo cual se atribuye al gen HaCYC2c, siendo este el responsable de su tamaño. ¿Serían estos los que sirvieron de modelo a Van Gogh?, ¿ o salieron de su alocada mente?
Que el artista es una persona especial, diferente, incomprendida la mayor parte de las veces, no se puede dudar. Querámoslo o no, nos parecemos y nos lleva un afán común: la belleza sublime, el placer estético, la obra maestra, acercarnos lo más posible a la creación más perfecta...( olvidamos que la perfección sólo pertenece a Dios...) Miremos hacía dentro, instrospectivamente, a las profundidades de nuestro Yo. Somos solos, ¿ No es cierto?. No, pero no me interprete mal. Estamos rodeados de personas, de seres queridos, de muchos, pero quienes nos circundan no comprenden la belleza que nosotros a veces captamos, el goce que sentimos, los colores que soñadamente vemos. Tenemos que separarnos para crear. Allí, silenciosos, escuchamos el vibrar de las cuerdas del corazón. Ese melodioso sonido sólo nos pertenece a quienes hacemos arte: los artistas. El pintor (o pintora, por supuesto), es un sujeto muy especial, posee una personalidad diferente, capacidades cognoscitivas e intelectuales de manera muy peculiar. El modo en que trabaja su mente en el proceso de crear se basa en una particular repercusión de factores externos de su vida. (Otros no, pasan por la vida y no ven). Debe eso sí, también poseer algunos elementos endógenos que contribuyan a hacerle más fácil su tarea. El arte, para el artista, está allí, delante de todos, pero sólo para él es posible su percepción. Es un individuo con gran capacidad para sublimar impulsos inconscientes. (Si ama, con ese amor inconfesable, lo vuelca en el romanticismo de su obra. Allí está el mensaje, allí leemos y encontramos el amor). -Podría también leerse el odio o la agresión- Carece de convencionalismos. Lo concreto, banal y corriente, le cansa, le fastidia. Se aísla. Se cataloga de solitario, o solitaria. No, no se separa de la banalidad cotidiana, la tolera, pero con esfuerzo. Posee una personalidad autómata, una rica vida imaginativa, se hace preguntas que nosotros nó, como: ¿Por qué los colores se ven más hermosos en una tarde gris?, o, la tórtola posada en el tronco de ese viejo olivo, ¿canta o se lamenta porque su amor se fue?, o, ¿ Por que los grillos tocan su concierto de violines a la luna llena?. Posee también una inusual capacidad para generar ideas. Como cada artista, por esta habilidad perceptiva tan particular y diferente para ver el mundo, cuesta aglutinarlo, es difícil formar y mantener una "asociación de artistas". Todos poseen "su" verdad, "su" realidad. No somos fáciles de ser llevados todos para un mismo lado. A veces el artista se aleja de la realidad y no vuelve. Permanece en ese mundo creado sólo por él. A lo mejor lo ha deseado, pero nadie le comprende. Se le cataloga como enfermo mental...Todos lo sienten..., lo compadecen. El artista, en su particular realidad es feliz. Se ha quedado en el mundo que siempre soñó. Existen estudios que demuestran que aproximadamente el treinta y seis por ciento de los artistas poseen una alteración mental susceptible de tratamiento. El arte se da en personas más lábiles y frágiles en el ánimo y la percepción. Es, al parecer,la herramienta sublime en el arte de lograr una obra maestra. La gimnasia de sumergirse y luego salir a voluntad de este mundo de fantasía es lo que facilita esta tendencia. En todo caso, si alguna predisposición existiera, el artista puede crear en la medida que tenga sana su capacidad de concebir y realizar su obra. Incluso es una defensa. Puede encontrar alivio terapéutico en hacerla. En resumen, el arte, del color en este caso, esa sublime capacidad para sumergirnos en un mundo encantado para perpetuar lo bello, nos pertenece sólo, a los artistas. Dr. Mario Quijada Hernández Médico Psiquiatra. Socio de la Sociedad Nacional de Bellas Artes
La siguiente visualización llamada Perpetual Ocean fue creada por el Goddard Space Flight Center Scientific Visualization Studio de la NASA y captura las corrientes marinas mientras bailan y se retuercen a lo largo de los océanos desde junio de 2005 a 2007, mientras al mismo tiempo el transporte marítimo mueve carbón y calor a través de las aguas transoceánicas.
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Si algo podemos agradecer a la fotografía digital es permitirnos experimentar sin parar y crear nuevas formas de expresión. Con la fotografía analógica eran muy pocos los que “arriesgaban” a probar cosas distintas, ya que eso conllevaba, en la mayoría de los casos, a un gasto ingente de dinero en carretes, revelados, material de todo tipo, etc… Hoy día, con cualquier cámara digital, es tan sencillo como probar algo y si no obtienes lo que quieres, borras el archivo directamente, y vuelves a intentarlo.
Y algo así ha debido suceder con un estilo relativamente reciente (me topé con él a mediados del año pasado) llamado fotoimpresionismo.
Puede que los puristas del arte pongan el grito en el cielo, diciendo que esta técnica de nueva, precisamente, no tiene nada, que el impresionismo es una corriente artística que comenzó a desarrollarse a mediados de la segunda mitad del siglo XIX, y no les faltará razón. Lo novedoso, y el motivo de este artículo, es su inclusión en el mundo fotográfico.
Y lo que lo hace especialmente llamativo es que esta técnica lo que busca es recrear exactamente lo que los pintores de la época impresionista creaban. No se trata de hacer fotos que recuerden a grandes genios de esta vertiente pictórica, si no que lo que se pretende es evocar las mismas sensaciones que se transmitían en esos lienzos. De esta manera, la fotografía impresionista intenta expresar sentimientos y estados de ánimo, incluso una emoción, a través de las formas, de los detalles, sugiriendo en lugar de mostrarlos tal cual son. Pero pasando a la parte más técnica, realizar una foto de este estilo no es nada complicado aunque, como todas, requiere de práctica y dedicación.
La forma más sencilla de realizarla es con una velocidad de obturación lenta (dependiendo de lo que queramos fotografiar, bastará con 1/5 seg.), y proporcionar cierto desenfoque intencionado durante la exposición con una ligera sacudida, una trepidación o, simplemente, apoyando la cámara en un sitio que no ofrezca demasiada firmeza. ricardoabenzoaga
El famoso cuadro de Leonardo da Vinci tendría su doble en España en el Museo del Prado de Madrid desde hace varios años pero recién se la da un valor histórico.
Este nuevo cuadro fue hallado dentro de las bodegas del museo español, pues se creyó por muchos años que se trataba de una copia banal de la famosa pintura.
De acuerdo a los estudios este nuevo cuadro fue pintado en la misma época por un discípulo de Leonardo. Según algunos especialistas en historia del arte ambos retratos son de la misma persona Lisa Giaconda aunque en esta nueva réplica se puede lucir más la juventud de sus 20 años(edad que tenía cuando fue retratada por da Vinci)
Esta nueva Mona Lisa, que ha sido saludada así por expertos del Prado y del Louvre -donde permanece la original-, da cuenta además de cómo podría haber lucido el trabajo de Da Vinci al momento de salir de su estudio: luce con colores más vívidos que la pieza de Leonardo.
El centro Párraga de Murcia acogió ayer el experimento sonoro y pictórico de Octavio de Juan, profesor del Conservatorio Guitarrista José Tomás de Alicante. Los asistentes pudieron disfrutar de la música de Beethoven, interpretada por el Cuarteto Almus de Murcia, a la vez que contemplaban una serie de imágenes pictóricas. La iniciativa trata de profundizar en las reacciones del cerebro ante estímulos artísticos. Leer más sobre el tema aquí Fuente: informaciones.es
LONDRES | Jueves 15 de diciembre de 2011
EFE Un museo de Liverpool (norte de Inglaterra) exhibe desde hoy el busto "Cardenal pecado", una nueva obra del artista callejero británico Banksy, en la que arremete contra los abusos sexuales de la Iglesia católica.
El conocido grafitero ha manipulado el rostro de un sacerdote del siglo XVII con un mosaico de pequeños azulejos, para dar el efecto de una cara pixelada. Con ello, Banksy imita las caras veladas por los medios de comunicación para ocultar la identidad de las víctimas de abusos sexuales, según explicó un responsable de la Galeria Walker de Liverpool.
A través de un comunicado emitido por ese museo, el misterioso artista explicó que se trata de un regalo de Navidad para la institución de Liverpool, que cuenta con una importante colección de obras de arte desde el siglo XIII hasta la actualidad.
"En estos momentos del año es fácil olvidar el verdadero significado de la cristiandad, las mentiras, la corrupción, el abuso", explicó el grafitero de Bristol (oeste de Inglaterra) , que oculta de manera obstinada su verdadero nombre y rostro.
Banksy asegura que nunca ha estado seguro de "quién se merece ser puesto en un pedestal o ser aplastado por uno".
La directora de los museos nacionales de Liverpool, Reyahn King, confesó hoy que estaba "encantada" de poder exhibir el trabajo de "uno de los mejores artistas contemporáneos".
La escultura se muestra en un sala junto a maestros de la pintura del siglo XVII por expreso deseo del artista callejero, según reveló el museo.
Más en concreto, "Cardenal pecado" se puede ver desde hoy junto a un retrato del Arzobispo de Sevilla de Murillo y "la Virgen y el niño con Santa Isabel" de Rubens.
El misterioso artista, del que nunca se ha publicado una sola foto, ha conseguido ser uno de los más cotizados en el mercado internacional a pesar de su carácter reivindicativo y antisistema.
Se trata de la segunda vez que polifacético creador, conocido por sus subversivos grafitis desbordantes de humor negro, crea un trabajo para una galería o museo, después de que el Museo de Arte de Bristol le dedicara una exposición en 2009 que fue visitada por 300 mil personas en doce semanas.
Dalí pinta este retrato, de la actriz Mae West, entre los años 1934-35, está realizado sobre papel de periódico, en gouache y su estilo es surrealista. Dalí pinta sobre una foto de la actriz, publicada en el periódico y describe una escena ambientada en un estar de un departamento, con una pared roja al fondo y sobre esta, dos cuadros, que son los ojos, entre ellos la nariz, transformada en una chimenea y sobre esta un reloj, más abajo, la boca simulando un sillón, todo esto enmarcado con su pelo, interpretado como cortinaje. El cuadro se llama "Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista". Pues bien, es sobre sus labios-sillón que les quiero contar que Dalí, a petición de Edward James manda a fabricar un sofá-labio, similar al del cuadro, en los años 30.
En la actualidad, se puede adquirir en el comercio, por si te gustaría tener uno en tu living. Fuente: wiki
No siempre podemos creer lo que estamos viendo, en especial si se trata de este trabajo, basado en la ilusión óptica. Aquí vemos un gran cañón y en los bordes de este, a deportistas ejercitándose. La sensación de vértigo y profundidad del abismo, nos hace temer por las personas que allí practican, pero nada de eso es realidad, solo una ilusión óptica genialmente lograda.
La pintura 3D callejera, de los artistas Joe & Max, de Reebok, la cual está realizando los juegos Crossfit, ha sido inscrita en el libro de Records Guiness, como la pintura 3D, más grande del mundo, mide 3.8 km cuadrados y está ubicada en Londres. La relización demoró más de una semana.
ABC / MADRID
Día 16/11/2011 Hoy se celebra en Londres la primera subasta de una obra de Nat Tate, un pintor británico creado por la imaginación del escritor William Boyd en una biografía titulada «Nat Tate: un artista americano», ficción para la que contó, entre otros, con la complicidad de David Bowie. Ambos lograron que el sofisticado mundo del arte aceptara a Tate, antes que su propio esnobismo o ignorancia.
Se trata de una de las bromas más conseguidas de la historia de la cultura —como explica hoy en un reportaje en «El Correo» Carlos Benito—, desde la que el escritor improvisaba incluso los cuadros de un Tate que nunca existió. Sotheby's espera obtener por la pieza entre 3.500 y 6.000 euros, que se destinarán a fines benéficos. Se calcula que hay dieciocho obras de Tate en circulación o en colecciones privadas, ya que según la leyenda el pintor quemó casi toda su obra antes de arrojarse al río Hudson en 1960.
Foto: ElComercio.es
Una nueva biografía sobre Vincent Van Gogh publicada este lunes en el Reino Unido sostiene que el artista no se suicidó, sino que murió de un disparo accidental de un adolescente en la localidad francesa de Auvers-sur-Oise en 1890.
Esta es una de las principales revelaciones de Van Gogh: la vida, escrita por los estadounidenses Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores del premio Pulitzer en 1990, que investigaron la vida del artista holandés durante más de una década en colaboración con instituciones como el museo Van Gogh de Amsterdam. Seguir leyendo aquí
La pintura corporal, ha sido la primera expresión plástica, usada desde tiempos remotos por nuestros antepasados. Ellos utilizaron los pigmentos derivados de la arcilla, la tiza, el carbón, semillas, la pulpa de algunas frutas etc., que le sirvieron como tatuaje de guerra para asustar al enemigo, o como camuflaje para salir de caza y no ser visto por los animales, o como distinción de carácter social en la tribu.
La pintura corporal reaparece en Occidente a finales del siglo XX y se muestra en algunos festivales como el de Seeboden en Austria.
Actualmente, se practica con una finalidad lúdica y decorativa. su principal gracia es camuflar la desnudez del cuerpo sin atentar contra el pudor, de manera artística. Se pinta habitualmente figuras que engañan el ojo, (trampantojos), como pintar vestimentas, o animales, los cuales transforman al modelo en felinos, perros o aves. También se utiliza el camuflaje pintando a la modelo frente a una pared y estampando en su cuerpo el mismo fondo haciéndola prácticamente invisible. Por último están las pinturas fosforescentes que brillan al iluminarlas con luz ultravioleta.
La cueva de Blombos, ubicada en Sudáfrica, habría sido utilizada para hacer, mezclar y almacenar ocre, un pigmento usado para pintarse la piel.
Un grupo de investigadores ha descubierto en la cueva Blombos, en la costa oriental de Sudáfrica, una especie de taller de pintura de 100.000 años de antigüedad que, según creen, fue utilizado para hacer, mezclar y almacenar ocre, un pigmento que los humanos habrían ocupado para pintarse la piel, con formas decorativas o para protegerla.
En el lugar fueron hallados dos conchas de abulón -los recipientes para almacenar la mezcla-, y una serie de elementos (huesos, carbón, y martillos de piedra) que fueron utilizados como herramientas para machacar el pigmento.
"Este descubrimiento es un hito en la evolución de la cognición humana compleja, porque demuestra que humanos de hace 100.000 años tenían ya capacidad de buscar, producir y almacenar sustancias que usaban en sus prácticas sociales", indica el arqueólogo de la universidad de Witwatersrand, Christopher Henshilwood, en un artículo publicado en la revista Science.
La cueva Blombos está ubicada a 186 kilómetros al este de Ciudad del Cabo, y en el lugar ya han sido encontradas piezas de ocre de 76 mil años de antigüedad, grabadas con diseños abstractos.
Roma, 12 oct (EFE).- Una firma de Leonardo Da Vinci realizada con la
mano derecha fue descubierta en el Archivo de Estado de Milán, en un
documento notarial con fecha del 25 de abril de 1483, confirmó hoy a Efe
la directora del Archivo Maria Barbara Bertini. El artista solía firmar sus obras con la mano izquierda, de manera
que sólo pudieran ser leídas delante de un espejo, por lo que el
descubrimiento del escrito firmado con su mano derecha es
"extraordinario". Sigue leyendo aquí
Esta región del cerebro está relacionada con la creatividad, por los que los investigadores creen que podría ser el motivo diferenciador entre artistas y profesionales de otros sectores.
