Apreciación del arte

Artes plásticas                     Fuente: Historia del arte de Figueroba-Mc Graw Hill 

y de varias fuentes.

A la pintura, se la considera, un arte mayor, junto a la escultura, la escritura y la fotografía. 

La artesanía es considerada como un arte menor.

La pintura, de la cual voy a hablar ahora, se lleva a cabo formando y conformando ideas a través del material usado, como óleo, acrílico, acuarela,etc. sobre cualquier tipo de soporte, papel, madera etc.

Mediante, líneas como el dibujo, considerado "artes gráficas", representa una serie de actividades gráfico-plásticas en donde intervienen la vista y el tacto para apreciarlos.

Apreciamos en ella la forma y el contenido.

La forma: Es como organizamos los elementos en nuestra obra.

El contenido: Es lo que queremos transmitir. Es lo que el artista quiso comunicar. Es la esencia de la obra.

En ella puede haber una representación de lo histórico, político, simbólico etc.

Hay jerarquía de géneros de la pintura: clásica, histórica, el retrato, el paisaje, las marinas, las flores y frutos.

Figura y fondo

Llamamos figura a toda superficie delimitada por la linea. La forma encerrada  por la linea pasa a ser la figura y el resto se denomina el fondo.

A la figura le prestaremos mas atención rebajándola en más detalles y con coloridos pastosos y vibrantes, firmes. La figura es la que más nos queda en el recuerdo al observar un cuadro.

El fondo en cambio, aparece detrás de la figura, en tonos más débiles, menos detallado, casi difuso.

A veces, de preferencia en los paisajes, podemos apreciar varios planos cada vez más débiles y menos trabajados, dando así la sensación de profundidad. 

Contenido:

Es el mensaje que el artista quiere comunicar. Es la fuerza y la esencia de la obra.

Implica simbología, realidad, historia, personajes, etc.

Elementos que intervienen en la forma:

Intervienen en la forma el punto y la línea.

El punto: Es considerado como punto la marca dejada por un lápiz, pincel, plumón etc. sobre una superficie y también la intersección entre dos líneas.

La línea: Es la repetición de puntos, uno junto al otro, tan juntos que nuestra vista no lo puede apreciar. También se considera un punto en movimiento.

La línea según su movimiento, puedes ser curva o recta y con respecto a otra línea puede ser paralela, divergente, convergente, perpendicular, etc

Según su dirección, horizontal, vertical, ondulatoria, curva.

Con ella creamos volúmenes, formas y espacios.

Es la que usamos por lo tanto para delimitar las formas y espacios en la composición de una obra.

El ritmo:

Es el movimiento que nosotros le damos a la línea.

a) Repetitivo, cuando los elementos se presentan de igual manera.

b) Alternado, cuando van combinado con otro elemento.

c) Progresivo: Cuando se va de menor a mayor, de alto a bajo o de bajo a alto, etc.

El equilibrio:

Decimos que una composición esta equilibrada cuando todos los elementos que hemos puestos, dependen uno del otro y no podríamos sacar ni mover ninguno de ellos sin alterar el balance.

Las formas:

a) Geométricas: Como el triángulo, el circulo, cuadrado,etc.

b) Irregulares: Como las que se forman al dejar caer gotas de tinta sobre un papel.

    o las que hacemos al delinear el perfil de un rostro.

Espacio:

Es todo lo que queda fuera de las formas dibujadas en un soporte.

Si dibujamos unos arboles y un rio, por ejemplo, ellos constituyen las formas o figuras y el resto es el fondo.

Los espacios con figuras son considerados espacios positivos y el resto, el fondo o espacio negativo.

La composición:

Es el modo en que se distribuyen los elementos en  una obra.  Hay dos maneras:

a) Simétricas: Cuando el elemento principal se coloca en medio del soporte y es equidistante a los lados

b) Asimétrica: Por lo tanto es cuando el objeto se sitúa a un lado u otro, arriba o abajo y su peso es equilibrado mediante texturas, color, tamaño etc.

c) Radial: Cuando la figura se coloca al centro y todo lo demás emana de ella o llega a ella.
Texturas:

Es la apariencia que una tela adquiere al ser trabajada con los materiales propios de la pintura, como el óleo. Este puede aparecer con relieves y diversas texturas provocadas por el empaste y también hecho ficticiamente por el pintor, simulando con colores, luces y sombras un símil de textura.

La textura puede ser suave, aspera, rugosa, lisa, etc.

Color:

Distinguimos aquí, el color luz y el color materia.

El descubrimiento del color-luz lo hizo Isaac Newton y su disco cromático.

El color materia, es el que usamos los pintores hechos a base de pigmentos y aceite.

Dos propiedades del color son, el brillo y el matiz.

a) Brillo: Es la cantidad de luz que hay en un color. De ahí que lo decimos que es pálido o intenso.

b) Matiz: Se refiere a la variación del color después de ser mezclado con otro color.

El color tiene la cualidad de trasmitir diferentes estados de ánimo.

-----

Clasificación de los  colores:

Rosa cromática



a) Primarios: Rojo, amarillo y azul y ellos no son producto de ninguna mezcla.

b) Secundarios: Que se originan por la mezcla primarios entre si: Rojo + azul = morado.

c) Terciarios: Son los que resultan de la mezcla de los primarios con los secundarios: amarillo anaranjado, verde amaillento, etc.

Los Tonos: Estos resultan luego de mezclar un color con más o menos blanco.

Los tonos oscuros lo logramos mezclando con negro.

El negro hay que usarlo con cuidado pues tiende a ensuciar el color.

Los matices: Se producen mezclando entre si, los colores que están a su lado en a rosa cromática: azul + verde o azul + violeta.

Temperatura del color:

Se clasifican en cálidos, fríos y neutros.

Cálidos: naranja, rojo y amarillo. Comunican calor, alegría, euforia, fuego,enojo, etc.

Fríos: Azul, verde y violeta., Producen sensación de relajamiento, meditación, paz y representa al mar, el cielo, el espacio.

Neutros: Gris, café, blanco y negro. Estos colores no están en el arco iris.

El blanco está formado por todos los colores y el negro es ausencia de color.
-----

Gama de colores
Para mezclar colores debemos tener en cuenta primero unas cuantas nociones generales. Ya veréis como mezclar colores es una técnica muy sencilla si seguimos las directrices básicas.

Gama de colores cálidos
Esta gama de colores está compuesto por aquellos que resultan de la mezcla de amarillo, rojo, ocre y todos los tonos derivados de ellos: marrones, anaranjados, etc.
Gama de colores fríos
Son colores resultantes de la mezcla de azules, violetas y verdes. Puedes aclararlos con pintura blanca y oscurecerlos con grises azulados.
Gama de colores quebrados
Colores resultantes de la mezcla de colores cálidos y fríos. Poseen tonos grisáceos. Estamos hablando de unos colores muy sobrios.
Gama de colores pastel
Tonos de color en los que predomina el color blanco. Son colores cómo pálidos. Los mejores colores pastel son los rojos, verdes, azules, amarillos, anaranjados y violetas. Otros tonos pueden dar sensación de viejos o decolorados.

La perspectiva:

Es es punto de vista que el autor quiere representar en su obra.

Perspectiva Paralela: La línea del horizonte se encuentra con un punto de fuga, en el  que convergen todas las diagonales que sirven para proyectar el dibujo.

Perspectiva oblicua: En ella hay dos puntos de fuga localizados en el horizonte y una arista del objeto está frente a nosotros.

          

-----

¿Como empezamos un cuadro?

Pensamos entonces en el motivo que queremos pintar: una marina, un bodegón, un paisaje, un retrato...etc.

El tema que elijamos tiene un formato de tela especial, si es un bodegón,  nuestra tela será un poco más ancha que alta, si es una marina, será notoriamente más ancha que alta, este formato se llama apaisajado.

Siempre es bueno saber elegir el formato adecuado al tema.

En este caso yo pintaré un bodegón, mi tela será 10 cm. mas ancha que alta.

Armo entonces mi modelo, con cosas simples como cacharros de cobre, algunas botellas y frutas. Entonces, me recuerdo de todo lo que debo tener en cuenta en composición, tema que hable más arriba.

Una vez distribuidos nuestros elementos armónicamente (y no es necesario que sean muchos), observanos detenidamente nuestra disposición de los elementos, haciendo los cambios necesarios hasta quedar conformes.

Dibujamos entonces en nuestra tela, el motivo, con un pincel untado en óleo bastante diluido con el diluyente adecuado y volvemos ahora a observar el modelo para darnos una idea de como vamos a empezar a colorear el tema, con que colores: ver nuestra rosa cromática para hacer las combinaciones adecuadas, si el motivo es naranja nos unirá bien con los azules y los violetas con los amarillos.

Los colores deben armonizar y esto se consigue cuando cada color lleva un poco de otro.

Y ya estamos en condiciones de comenzar nuestro trabajo. Cada persona es muy distinta a otra en su forma de ver los objetos y de interpretarlos, es eso justamente lo que más debemos cuidar, ser siempre nosotros, sacar nuestro propio estilo, defender nuestra manera de llevarlo a la tela. Solo debemos atenernos a los consejos generales ya   citados anteriormente y dejarnos llevar.

Yo siempre comparo esto a cuando uno aprender a escribir y hace letras muy redonditas y ordenadas, pero una vez que ya hemos aprendido nuestra letra es propia y distinta a la de otro y más suelta y libre. Esto es lo que se quiere lograr, una identidad propia y se llega a esto de la misma forma: "Aprender a pintar, solo se aprende pintando"

Algunas personas aconsejan copiar cuadros de otros para aprender las soluciones que le dió el pintor a su obra pero yo digo que mejor observemos y rescatemos lo bueno pero interpretándolo nosotros. Hay que creer en uno ¿porque no?.

-----

Como pintar un cuadro con imágenes de ejemplo:

Como podrás apreciar la secuencia habla por si sola.

Ahora toma tu, un florero, tus propias flores y déjate llevar, pinta lo que sientas, no pintes exactamente esto, sino que tus propios sentimientos los transfieres a la tela.
 Eso le dará identidad propia a lo que pintes, así cuando vean tus pinturas, dirán como los grandes maestro, "esta obra es un VanGogh".
Eso es lo que yo persigo que algún día vean mis obras y digan es un "Carod", mmmmm...., difícil meta pero hay que caminar en esa dirección, yo sigo adelante ¿y tu?¿me sigues o te quedas? ¡Vamossss!
M. Inés Carod

-----

En Canon del cuerpo humano

La altura ideal del cuerpo es de 7 a 8 cabezas.

El centro es el ombligo, que lo divide en dos partes.

---------

Para dibujar un rostro

Para dar una pauta sencilla de como dibujar un rostro y que se ajuste más o menos a la realidad, veremos unos pasos fáciles de aplicar.

Proporciones de un rostro:

El rostro se divide en 6 partes iguales. Como se ve en la figura.

La división la conforman  dos horizontales. La primera a la altura de lo que llamamos el tercer ojo. La segunda en la base de la nariz y la última en la base de la barbilla.

Estas horizontales la divide una vertical colocada al centro y divide el rostro a la mitad.

Entre la primera y segunda horizontal se encuentran los ojos y la boca en el centro de la segunda.

Estas proporciones pueden cambiar según la raza, pero es una ayuda para comenzar a pintar un rostro.

El espacio entre los ojos es igual a la medida de la base de la nariz.

Una medida de un ojo cabe 7 veces en el alto de un rostro y 5 veces en el ancho, contando las orejas.

-----

          Como imprimar una tela o una tabla

Hoy día es muy fácil encontrar telas preparadas, pero como el saber no ocupa lugar, vamos a ver como se hace.
Se aplican sobre los soportes como forma de protección para evitar que el aceite contenido en los colores ataque y llegue a quemar las fibras del lienzo, para regular la absorción del fondo facilitando la integración de la pintura en el lienzo y para crear una cualidad superficial, suave o áspera, que convenga a la técnica personal o al asunto.

Aunque de forma habitual, lo normal es adquirir los lienzos con la imprimación correspondiente, vamos a explicar la forma de realizar una imprimación "a la media creta", para que podáis preparar los lienzos con las cualidades de absorvencia y textura que prefiráis y conozcáis a fondo la base en la que estais trabajando.
MATERIALES: sulfato cálcico (yeso), blanco de cinc, cola de conejo, aceite espesado, un huevo, una espátula y una brocha.
Ponemos en remojo la cola de conejo hasta que se ablande y se hinche (unas doce horas). Medida: una pastilla de 70 gramos por litro de agua.
Calentamos en un recipiente la cola de conejo con agua hasta que quede bien disuelta, removiendo con una cuchara mientras se calienta la mezcla.
Se deja enfriar hasta que se forme una gelatina que extenderemos en el lienzo con la mano, procurando que penetre bien en los poros de la tela. Con la espátula, eliminaremos el sobrante de la cola por la parte anterior del lienzo y después por la posterior.
Añadimos agua a la gelatina restante del recipiente y calentamos. Cuando esté líquida, añadiremos partes iguales (250 gramos por litro) de blanco de cinc y sulfato cálcico. Removiendo bién la mezcla, añadiremos, gota a gota, aceite espesado, mientras seguimos calentando. La cantidad de aceite determina la absorción: cuanto más aceite agreguemos, menos absorvente será la imprimación.
A continuación, y removiendo siempre con la cuchara, añadiremos una yema de huevo, con lo que lograremos una cierta elasticidad a la preparación.
Ya podemos aplicar la preparación sobre el lienzo con una brocha, cubriendo la tela con una capa uiniforme lo más fina posible. Si lo deseamos podemos aplicar una segunda capa como máximo, alisando bien la superficie con la espátula. Si la capa hubiese quedado demasiado gruesa, conviene repasar la superficie del lienzo con una lija, hasta dejarla igualada y con la textura que nos convenga. después, procederemos al tensado de la tela, ajustando con un martillo las cuñas en los ángulos del bastidor de madera que soporta la tela.

-----


Las diferentes técnicas de pintura

Pintura al óleo:

¿Como está compuesto el óleo que usamos para pintar?

La pintura al óleo disuelve los pigmentos con aceite, siendo usado desde el siglo XV y se le atribuye a Van Eyck, su invención.

Los soportes más usados son las telas y tablas imprimadas, aunque se puede usar sobre cualquier superficie imprimada.

Las telas usadas para tal caso son el lino, el yute y el algodón. Dando estas, diferentes texturas a la pintura.

La tela es el soporte más liviano para trasladar y es por eso que es el más usado por los pintores.

Como hemos dicho, todas estas telas necesitan una preparación, que llamamos imprimación y que ya hemos visto su proceso. Es muy importante, ya que de eso depende un buen trabajo, una buena luminosidad de la obra y su resistencia al deterioro del tiempo.

Los aglutinantes del color:

En la técnica del óleo se usa el aceite y las resinas,  como aglutinante. Las resinas ayudan al secado del aceite y evitan la rugosidad que produce este al secarse y las contracciones de la pintura.

Los aceites usados más corrientemente son el de linaza, obtenido de las semillas del lino y tiene un alto poder secante. El aceite de nuez, que se logra al prensar nueces maduras y el aceite de adormidera que proviene de la planta del mismo nombre. Las dos últimas tienen la cualidad de no amarillear la pintura.

Las esencias como la trementina, se evaporan rápidamente y producen delgadas capaz de pintura. Esta se obtiene del bálsamo destilado del pino y del alerce y se llama esencia de Venecia.

Las esencias pueden ser duras, como el Copal y el Dammar. Podemos usar una combinación de ambos para un resultado equilibrado.

Por lo que se recomienda usar buenos óleos y mediuns para hacer un trabajo luminoso y mas duradero. De ellos depende también un acabado más brillante ( usando aceites) o más satinados (usando esencias). 

No debemos olvidar el cuidado de nuestros pinceles, los cuales debemos remojar en aguarrás, secar y lavar con un detergente para la loza, que es más desengrasante. Secamos y guardamos en un baso alto para su secado.

-----

Materiales para pintar al óleo.

El óleo.
Los tubos de 21 ml, 37ml y 150 ml, son los que se usan más corrientemente.
Los colores que básicamente usamos son:
Amarillo limón, amarillo cadmio y ocre amarillo.
Rojo de cadmio.
Siena tostada y tierra de sombra natural.
Azul cobalto, azul de Prusia y azul ultramar.
Verde vejiga y permanente.
Blanco 
Yo no ocupo negro, El blanco lo prefiero de 150 ml, ya que lo uso bastante.
La paleta:
Las hay de diferentes portes y materiales, pero actualmente la más cómoda es de papel y es como un block de varias hojas desechable por lo que no es necesario limpiarla, como sucede con la de madera. 
También podemos usar un plato, una bandeja de plástico, un vidrio, en fin. Son una buena idea las cajas de plástico, rectangulares, bajas  y con tapa, así los restos de pintura los podemos conservar tapados.
Los pinceles:
Para el óleo se usan los pinceles de mango largo, unos 30 cm más o menos, ya que esto sirve para pintar a cierta distancia, para apreciar mejor lo que estamos pintando.
Por su forma son, redondos, planos y almendrados y los tamaños van del 1 al 22.
En cuanto al pelo, los hay de marta, de camello y fibra sintética, entre los más conocidos. 
Las aceiteras:
Son dos pocillos unidos y con una pinza en el medio para sujetarla a la paleta. En una se puede poner mediun y en otra trementina.
Carboncillo:
Son ramitas de sauce carbonizados y sirven para dibujar el motivo. Debemos sacudir el dibujo, una vez terminado, con un trapo para sacar el exceso y no nos ensucie el trabajo. Yo prefiero dibujar con el pincel con pintura bien diluida.
El caballete:
Su uso comienza en el siglo XIV, ya que antes se pintaba sobre mesas o caballetes más acostados.
El caballete vertical es el de mayor uso ahora y se pinta de pie o sentados sobre un piso alto.
Entre los variados estilos de caballetes el más simple cómodo y liviano es el de tres patas, aunque no soporta grandes telas.
También hay caballetes plegables para el uso en la pintura al aire libre y caballetes profesionales que soportan grandes telas y tienen ruedas para facilitar el desplazamiento.
La espátula:
Tiene un mango de madera y un hoja metálica, la que se utiliza para depositar la pintura en la tela o soporte en el cual estemos trabajando. Las hay de distintos tamaños y formas.
El marco:
Se debe elegir uno que realce la pintura y que no la opaque.
Hoy se ha dejado de lado el uso de los marcos y si se deciden a usarlo se elige un simple rodón.
El marco dorado ya no se usa en las decoraciones modernas.
Telas:Es el soporte de las pinturas. Hay en diferentes tamaños, según el tema.
Medidas universales:

        

-----

La técnica de la veladura al óleo

La veladura consiste en pasar una delgada capa de pintura transparente, sobre otra capa gruesa de pintura ya seca y el objeto es cambiar el color.
La pintura para dar estas veladuras se prepara con un color de óleo diluido en bastante medium.
Las veladuras se usan desde hace siglos. Los renacentistas la utilizaban usando varias capas de veladura una sobre la otra una vez seca, logrando colores muy luminosos. Puesta de esta manera la veladura conseguía mezclar los colores por capas osea, sobre una veladura amarilla seca, se ponía una capa de veladura azul, logrando así un verde.
Rembrant uso esta técnica con gran maestría sobretodo en los retratos logrando grandes efectos luminosos, que no se podrían lograr de otra forma.
Turner También logró tales efectos en los paisajes.

Rembrant

Turner

La mezcla para la veladura se logra diluyendo la pintura en bastante medium, hasta que quede muy transparente. Requisito es que la pintura de una capa seque bien antes de poner otra y tener bastante conocimiento sobre la mezcla colores.

-----

Los Acrílicos

Los acrílicos, son un tipo de pintura que contiene los mismos pigmentos que el óleo pero disueltos en un aglutinante acrílico, que se compone de ácido acrílico.

Las ventajas del acrílico son que seca rápidamente y su acabado puede ser mate o brillante según le pongamos mas o menos medium acrílico.

También podemos añadir más capaz de pintura sobre una superficie ya pintada.

Los empastes son más resistentes que el óleo. Resiste mejor la oxidación y en general se conserva mejor a través del tiempo.

El uso del acrílico es el preferido del Arte Contemporáneo. Desde la época de los 50, es usado principalmente por los artistas americanos expresionistas como Pollock, entre otros.

Puede usarse en cualquier superficie como tela, cartón, madera, papel, incluso metales etc.con una imprimación acrílica o sin ella.

Hay varios tipos de Mediums que dan diferentes acabados a la pintura, más brillante, más mate o más transparente.

Gel: Da un acabado parecido al óleo y da volumen a la pintura.

Pasta densa: Un gel que se le ha añadido pasta de marmol y arena pulverizada, produciendo una textura regular a la mezcla.
Retardador de secado: Usado para alargar el tiempo de secado de la pintura.
Fluidificador: Sirve para adelgazar la pintura y hacer que corra mejor.
Transparentador: Se utiliza para hacer veladuras.
También se puede usar agua para disolver el acrílico, teniendo cuidado en la cantidad, pues si se le pone mucha, retarda el secado y pierde las propiedades sellante, que  protege de la acción del tiempo, luz y agua entre otras.
Los pinceles usados con pintura acrílica deben lavarse luego de usados con agua caliente.

-----

Los alquídicos

Los óleos alquídicos tienen varias cualidades mejores que los óleos y los acrílicos.

Algunas de estos puntos a favor, son el rápido secado al tacto, el cual es más rápido que el de los acrílicos y mucho más que los óleos comunes. Pueden estar secos en un día.

Otra ventaja respecto al secado es que una vez seca la pintura nos ofrece una terminación de aspecto satinado y parejo, sin espacios  que quedan opacos debido a que se "chupa" la pintura. Osea es de un acabado más homogéneo.

Además los alquídicos son de un colorido más transparente, lo que al final deriva en colores más vivos.

Por su textura, son más fluidos, corren mejor al depositarlos con el pincel sobre la tela.

Una vez acabado el trabajo, es más resistente al tiempo, el agua y la intemperie, por lo que se presta para pintar murales.

Si lo comparamos con los acrílicos, las intensidades de los colores y la consistencia de los alquídicos son similares a los del óleo. Pero en cuanto al secado, los acrílicos son los más rápidos, lo que nos permite trabajar sin apuros.

El acabado final es más parecido al óleo, con la salvedad antes dicha, del secado disparejo.

Los trabajos realizados con alquídico, no deben barnizarse antes de 6 meses, pues es el tiempo que demora en su secado final, el cual necesita oxigenarse para lograrlo. En este caso es igual al óleo.

Los médiums utilizados para diluir la pintura son preparados con una base alquídica, es una esencia extraída del petróleo y no resinosa.

• Los alquídicos no se pueden usar sobre óleo.
• Los óleos si se usan sobre alquídico. (graso sobre magro).
• Al pintar con alquídico por capaz, estás deben ser cada vez más diluidas en médium.
• El diluyente más usado es el Liquin.

Se debe pintar capaz gruesas sobre finas.

-----

La acuarela

La acuarela, como su nombre lo dice viene de "Aqua" =agua. Por lo tanto los colores son disueltos con agua. 

Los pigmentos son aglutinados con goma arábiga que se obtiene de la acacia y tiene un proceso de endurecimiento, formando las pastillas de acuarela y que son soluble al agua. 

La acuarela se aplica sobre un papel especial, poroso.

Se trabaja en pequeños formatos y su uso es muy antiguo. Ya se usaba en Egipto y en los dibujos orientales.

La acuarela no admite correcciones por lo que hay que tener muy claro lo que se va a hacer.

La gracia de la acuarela son sus transparencias, así que se debe evitar ensuciar el trabajo.

Los fondos se trabajan con acuarela bastante diluida en agua y se deja inclinada para que el color escurra hacia abajo formando bellas degradaciones.

Los colores se van aplicando con pinceladas horizontales.

Los primeros planos se trabajan una vez seco el fondo y con pintura menos diluida.

Acuarela Húmeda: Se trabaja en húmedo dando distintos pincelazos de colores, cuidando de no ensuciar el trabajo, pues se puede estropear fácilmente. De esta manera se obtienen bellos trabajos abstractos.

Acuarela seca: Se trabaja superponiendo capaz de color, dejando secar cada una antes de poner otra. 

Finalmente se dan los colores más intensos.
Generalmente se usan las dos técnicas, la húmeda para los fondos y la seca para los detalles y primeros planos.
La superposición de colores tiene mucha importancia en la acuarela. El color que pongamos de fondo, tendrá incidencia en todos los colores que superpongamos.
En las superposiciones, debemos colocar primero un color cálido y sobre el, un frío como por ejemplo: para hacer un violeta, primero pongo el rojo y luego el azul. Si lo hacemos al revés se ensucian.
No todas las mezclas de colores resultan buenas, para eso debemos practicar antes, con combinaciones de colores, para saber como aplicarlos.
Debemos tener presente.

• Los colores son influenciados por los colores que lo rodean.
• La luminosidad se consigue con pocas pinceladas de color.
• Alejarse del trabajo de vez en cuando para ver su colorido en general.

Equilibrar los colores cálidos con los fríos, si por ejemplo tenemos una luz cálida, la sombra la ponemos fría y viceversa.

-----

Pintura al pastel

En un principio el pastel estaba estrechamente ligado al dibujo, usándose como un medio rápido para colorearlo. Pero a lo largo del tiempo fue conquistando un lugar, como un medio pictórico con personalidad propia, osea una técnica aparte.

El pastel toma su nombre de la pasta que se forma al mezclar los pigmentos con goma.

Ya en el siglo XVIII, fué ampliamente usado por los pintores.

Esta técnica resulta atractiva, por la luminosidad e intensidad de sus colores, gracias a la gran cantidad de pigmento puro contenido en cada barra de color.

Su uso es fácil, ya que no requiere de paleta, diluyente o pinceles. También por tratarse de una técnica seca, no se requiere esperar a que se seque, por lo que es muy rápida su ejecución.

Esta técnica nos permite también hacer veladuras, empastes y colores saturados.

Los pasteles están compuestos por pigmento puro , yeso y cola. Con esta pasta se forman las barritas, dejándolas secar.

La calidad de ellas depende depende de su composición. Los pasteles más finos no llevan yeso, por lo que al ser pigmento solo son mas cubrientes, los colores más puros y brillantes, permitiendo al pintor lograr obras más luminosas y de bellos colores,

aunque las barras son más frágiles y se rompen con facilidad.

El soporte usado para la pintura al pastel es un papel granuloso, especial para adherir el pigmento y que no caiga. Los más usado son los papeles Canson e Ingres.

El papel se presenta en un solo color y hay gran variedad de ellos. El color del papel actua como fondo e influye en la obra.

Cuando iniciamos una pintura debemos ver que el color del papel sea relacionado al tema. Por ejemplo usamos un gris-azulado para una marina y los colores cálidos, como los sienna y también los grises pálidos, para los retratos.

M.Inés carod- Pastel

------

Pintura al temple

Es una técnica pictórica, en la cual se usan los pigmentos disueltos (templados) con huevo. Es la técnica más antigua que se conoce. Se uso en Egipto y Babilonia.

La pintura al temple también llegó a Italia en los siglos XIII y XIV, fué usado por Giotto y sus contemporáneos.

El temple se usa sobre una delgada capa de yeso que al secarse la incorpora a ella y se unen perfectamente.

Generalmente se usan sobre paredes de piedra.

Para trabajar sobre una madera habrá que hacer una trabajosa preparación. Se rellenan los huecos o surcos de la madera con cola mezclada con aserrín. 

Se pega una tela a la tabla con cola.

Finalmente se da una mano de yeso espeso para luego dar una delgada capa de gesso, que era muy suave y absorbente sobre la cual se pintaba y obligaba a trabajar con rapidez y precisión.

Fue dejada a un lado por la pintura al óleo en el siglo XV.

-----

El fresco

Es una pintura realizada sobre una superficie de piedra o ladrillo, cubierta con una delgada capa de yeso, (arricio) dejándola muy lisa, en la cual se va aplicando cal apagada y polvo de mármol (intonaco) y se pinta sobre el mientras este húmedo.

La pintura consta de pigmentos  disueltos en agua pura y quedan incorporados a la base cuando se seca y de ahí su durabilidad. Una vez absorbido los colores no se puede corregir. Los colores se restringen a los de origen mineral

El Fresco seca en 24 horas por lo cual se debe trabajar rápido y ser muy preciso ya que al secarse no admita más pintura, por lo que hay que recurrir al temple para añadir cualquier detalle o retocar.

Tiene un inconveniente y es que el color cambia de cuando se pone a cuando seca, por lo que el artista debe tener en cuenta este importante detalle.

Podemos ver frescos en la capilla sistina pintados por Miguel Angel.

Algunos que también usaron esta técnica son entre otros, Botticelli, Perugino, Ghirlandaio.

Algunos Murales en Chile:

 Muerte al invasor (fragmento)

Escuela México de Chillán

David Alfaro Siqueiros

Presencia de América Latina (fragmento)

Casa de Arte de Concepción

Jorge González Camarena

-----

Encáustica

Esta palabra deriva del griego enkáustikos (grabar a fuego). Es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. Es una técnica muy antigua, usada ya por Vitruvio, arquitecto e ingeniero romano (70 - 25 aC).

Esta mezcla es muy cubriente, cremosa y densa. La pintura se aplica con pincel o espátula, en caliente, sobre tela, madera u otra superficie.

La mezcla está compuesta por cera de abeja y la resina, dammar. Con esta mezcla se pintan los temas  y gracias a su densidad se pueden hacer relieves y texturas. Es de secado muy rápido. 

El acabado consiste en aplicar una capa de cera caliente sobre la pintura realizada, en este caso se está usando como protección. Una vez seca dicha capa se pule muy bien con trapos de lino, secos. A este proceso se le llama incautización.

Sus características: 

• Se puede mezclar la cera con todos los colores.
• Tiene una alta durabilidad y protege del agua.
• No amarillea con el tiempo. 
• Le da transparencia al trabajo.
• Los colores brillan y no pierden el color.

Preparación:

Se derrite primero la cera de abeja y una vez disuelta se echa la resina dammar, que demora más en derretirse que la anterior. Esto se hace a fuego lento sobre una hornilla.

Cuando todo  esté  líquido se mezcla con los colores y se aplica sobre la superficie a pintar.

 Pinturas con La técnica Encáustica

El dibujo a lápiz grafito

Para algunas personas, el dibujo a lápiz representa una dificultad mayor, pero yo me atrevo a decir que todo es cuestión de práctica. Sin ponerse demasiadas exigencias solo aspira a dominar la técnica del lápiz y como siempre digo, "pinta, pinta a pintar solo se aprende pintado", bueno pues lo mismo a dibujar solo se aprende...dibujando.
Esta técnica se encuentra entre las más fáciles y es la que consta de menos elementos para ejecutarla; solo un lápiz y una goma y un soporte.
Los lápices tienen diferentes durezas. Desde los H, duros, el HD, mediano y los B, blandos.
Su dureza y blandura nos sirve para dar más o menos oscuridad.
Con un lápiz de mina dura se pueden trabajar lineas finas y limpias.
Con los más blando las medias tintas y las sombras. En la zona de  luz generalmente se deja el papel de fondo.
La línea nos sirve para delimitar los objetos y darles la forma, la cual luego darle  volumen con las luces medias tintas y sombras.
Les dejo aquí este vídeo, como guía.

-----

La Tinta China

Es una tinta de tipo acuoso que se  para dibujar.

Su composición es a base de pigmentos aglutinados con goma arábiga o bórax.

Su color negro es el más usado tanto en caligrafía como  en dibujo.

Su uso se remonta a la antigüedad, especialmente por las culturas orientales. Su apariencia era de una barra dura la cual se frotaba en un piedra ahuecada y el raspado se disolvía con agua. La composición era un pigmento llamado negro de humo, más goma arábiga.

El carbón negro de humo es químicamente inerte por lo que hace que los dibujos realizados sean muy duraderos en el tiempo y son inalterables a la luz.

Ahora vienen ya preparadas y listas para el uso.

También hay tintas de colores pero sus tintes son sintéticos. 

Al comienzo su uso era caligráfico, pero posteriormente se usó para dibujar.

Su aplicación es con pincel o pluma sobre papel.

Algunos dibujos hechos con esta técnica

Malinche marina
Leandro Demarchi

Obra de Luis

-----------------------------------------------------------
Continua en Temas sobre pintura

Dedicado a todas las personas que me han solicitado que les haga clase.
Esperando haberlos ayudado, aunque tocando los temas de manera muy general, pero con la mejor intención de ayudarlos.
Me siento satisfecha de traspasar mis conocimientos y si he ayudado a que 1 sola persona se entusiasme y pinte, ya estoy pagada.


M. Inés Carod


Espero tu comentario...y si has realizado una pintura, me gustaría que le sacaras una foto y me la envíes a icarod@vtr.net