TEMAS SOBRE PINTURA

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Consejos para los que empiezan a pintar acuarela:

Post de Gonzalo Orellana Campbell

9 de octubre

Estimados contertulios,

 En el presente post quisiera dar algunos consejos básicos, sobre todo para quienes están comenzando a pintar con acuarela y muchas veces no saben cómo o por dónde empezar (son los mismos tips que trato de trasmitir a mis alumnos), dichos consejos básicamente les ayudarán a simplificarse la vida. Espero sinceramente que le sirvan a alguien.

Aquí van entonces estas sugerencias de carácter práctico para la realización de una pintura a la acuarela.

1. Fija tu papel sobre un tablero rígido con papel engomado por todo el contorno.

2. Realiza un dibujo simple con lápiz grafito blando donde es importante que señales, sobre todo, las zonas donde irán las reservas de luz.

3. Si quieres hacer una acuarela de formato mediano o grande, es más recomendable usar colores en tubo porque rinden más. Los godets (pastillas) son más recomendables para acuarelas de formatos pequeños o para hacer Sketches o apuntes de viaje.

4. Hazte la tarea lo más fácil posible, es decir, antes de empezar a pintar pon todos los materiales que necesitas a la mano, colores, paleta, pinceles, pulverizador, esponjas, papel absorbente, cuchillo, etc… además, carga tu paleta con colores y ponla del lado de la mano que usas para pintar (aunque parezca increíble me he encontrado con personas que la ponen en el lado contrario) y has lo mismo con el recipiente con agua para mojar y limpiar los pinceles, siempre el lado de tu mano más diestra.

5. Si se han secado los colores en tu paleta o vas a usas colores en godets (pastillas) es aconsejable hidratarlos con un pulverizador o con un pincel mojado.

6. Antes de poner el pincel con color sobre tu papel realiza un plan de acción, es importante que tengas muy claro que es lo que vas a hacer y como lo vas a hacer antes de comenzar a pintar.

7. Respecto a la elección del pincel que vas a utilizar en cada etapa de tu obra, esta tiene directa relación con la extensión de la superficie que tienes que cubrir, es decir, si vas a cubrir una gran extensión ocupa un pincel grande y sólo si tienes que realizar un detalle utiliza un pincel pequeño.

8. Pon tu tablero suficientemente inclinado para que en cada pincelada el color diluido se vaya depositando en la parte de abajo y lo puedas recoger en la siguiente pincelada.

9. La pintura con acuarela se realiza en lavados sucesivos y es aconsejable esperar a que se seque un lavado para aplicar el siguiente.

10. Escoge tu pincel más ancho y mezcla un poco de color con una buena cantidad de agua para realizar tu primer lavado, el primer lavado aporta la atmósfera a la obra y por lo general en este se cubre casi toda la superficie del papel, a excepción de las reservas de luz, por lo tanto, siempre es preferible que te sobre un poco de color a que te falte.

11. Ten siempre una toalla de papel absorbente a mano para que, en caso de posibles errores o chorreos, puedas retirar rápido los excesos de agua y color de tu obra.

12. Los lavados se aplican en un orden ascendente, es decir, desde el primer lavado, más luminosos (con menos carga de color y más agua) a los sucesivos, cada vez más oscuros (con más carga de color y menos agua).

13. Por último, recuerda siempre que en la acuarela la máxima luz está dada por la claridad del papel en blanco, por lo tanto, es importante que cuides las zonas de luz.

Gonzalorellana@gmail.com

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1° de octubre

Post de Gonzalo Orellana Campbell

Estimados contertulios

En vista del gran interés demostrado por el post anterior y como una manera de responder a las reiteradas consultas que he recibido por este mismo medio es que me animo a escribir algunas líneas relativas al color en la acuarela y a algunas marcas de colores que podría recomendar, reitero que esta es sólo mi opinión, en base a mi experiencia, en ningún caso intento pontificar al respecto, espero sinceramente que le sirva a quienes están comenzando a trabajar con esta técnica y necesitan un consejo de alguien que lleva un poco más de tiempo en esto.

Para hablar de color, lo primero que se me ocurre es hacerles la misma recomendación que hago a mis alumnos. El ideal, sobre todo cuando estás comenzando a pintar, es que trabajes con una paleta reducida. En líneas generales la recomendación es que de cada color primario elijas dos, un color más cercano a los colores fríos y el otro más cercano a los cálidos, es decir, un amarillo frio (más cercano al verde), puede ser el amarillo cadmio limón y un amarillo cálido (más cercano al naranja), puede ser un amarillo cadmio oscuro, un rojo alizarín crimson (frio) y un rojo bermellón (cálido) y por último un azul ftalo (frio) y un azul ultramar (cálido) teniendo estos seis colores en tu paleta y mezclándolos entre si puedes fabricar la mayoría de los colores que existen en el mercado, de esta manera por un lado te vas a ahorrar mucho dinero y lo más importante, vas a aprender a pintar. Una vez que ya te manejes bien con estos colores puedes incluir otros como el amarillo ocre, el tierra de siena tostado y el gris de payne por nombrar algunos. Es importante tener en claro también que hay colores trasparentes, semi trasparentes y opacos, procura elegir los colores más trasparentes (en las cartas de color de todas las marcas aparece esa información), los opacos se alejan un poco de la acuarela propiamente tal.

Ahora bien, al igual que con el papel, las distintas marcas que fabrican colores tienen materiales de distinta calidad para satisfacer los requerimientos y el bolsillo de sus clientes. Básicamente la diferencia radica en que los colores de calidad profesional están fabricados con pigmento puro y los colores de calidades inferiores además del pigmento tienen un relleno (generalmente carbonato de calcio) que permite aumentar la cantidad de color artificialmente, pero bajando la calidad del mismo.

Aquí paso a detallar algunas marcas que conozco y que he usado, por tanto me atrevo a recomendar. Royal Talens (holandésa) tiene una línea profesional de excelente calidad que se llama Rembrandt, luego tienen una línea semi profesional que se llama Van Gogh y que tiene una muy buena relación precio- calidad, luego está la marca Schminke (Alemana) que tiene una línea profesional, de excelente calidad (desconozco si tienen algo más básico), luego esta Winsor & Newton (Inglesa) que tiene una línea selecta, profesional y de primera calidad y una semi profesional o de estudio que también ofrece una muy buena relación precio- calidad que se llama Cotman, luego está Holnein (Japónesa) HWC línea profesional excelente también, otra alternativa es Sennelier (Francesa) que también tiene una línea profesional y una buena línea de estudio, y por último Maimeri (italiana) lo mismo. Todas estas marcas las he encontrado en Chile y hay más, sólo que no las podría recomendar porque no las he usado, me refiero a old Holand, QoR y Koi por nombrar algunas. Como pueden ver hay harto donde elegir.

Una última recomendación, es que compres acuarela según tus necesidades, si vas a trabajar en formatos grandes y vas a usar las acuarelas con bastante regularidad lo más recomendable es que compres acuarelas en tubo porque rinden más y son un poco más económicas que las pastillas o godets, estos últimos son más para hacer cosas pequeñas y son ideales para hacer sketchers o apuntes rápidos cuando sales de viaje.

Saludos y que tengan un buen día.

Gonzalorellana@gmail.com

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Post de Gonzalo Orellana Campbell

25 de septiembre 2019

Estimados contertulios,

A propósito del tema del papel quisiera, con toda humildad, aclarar algunas dudas que he visto se repiten y al final dar mi opinión respecto a algunos papeles....ojo, es sólo mi opinión, no estoy pontificando, cada uno sabe lo que le gusta y le sirve

Lo primero que es importante saber es que casi todas las marcas de papel fabrican papeles de distinta calidad y con distintas características para tratar de satisfacer el gusto y el bolsillo de sus clientes ...(desde papeles de pura celulosa, pasando por papeles con distintos porcentajes de celulosa y algodón, hasta llegar a los que son 100% algodón) papeles de distinto gramaje (se mide por metro cuadrado) y de distinto tipo de grano (satinado, fino, medio y rugoso) Personalmente, respecto al tipo de grano yo evito trabajar con papeles satinados, no me gustan porque los colores se apagan y, no estoy seguro, pero por la descripción que hace de lo que le pasó, es probable que el papel que Isidora Violinista compró sea satinado.

Ahora bien, aquí les dejo los nombres de algunas marcas que fabrican papel de calidad,el primero y que uso mucho es el fabriano artístico (italiano), tiene muy buena relación precio calidad...otro es el arches (frances), que es extraordinario pero un poco caro, al menos para mi, luego están saunders y bokinford (ingleses), también muy buenos, luego hahnemühle (aleman), en fin, muchos.

Finalmente quisiera repetir el mismo consejo que le doy a mis alumnos de acuarela, el papel es la variable mas importante para obtener buenos resultados con acuarela, mucho más que los pigmentos y los pinceles, así que, si quieres invertir bien tu dinero, inviértelo en un buen papel y en lineas generales, si quieren trabajar con papeles de optima calidad y no pasar rabias yo recomiendo que sean 100% algodón y tengan arriba de 300 gr.

Saludos para todos

Gonzalorellana@gmail.com

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LAS FORMAS EN EL ARTE

El rectángulo y el cuadrado:Significan estabilidad, honestidad, tranquilidad, racionalidad, conformidad, igualdad, integridad y seguridad.

El cuadrado: También significa perfección, por sus cuatro lados iguales.

El triángulo: Sentado en su base, simboliza estabilidad, tensión dinámica, acción y agresión.Los triángulos tienen energía, poder y son dinámicos y pueden sugerir conflicto o fuerza.

El círculo: Como no tiene principio ni fin representa eternidad y simboliza al sol, la tierra, la luna, objetos celestiales y del universo.

También sugiere integridad, protección, son cálidos, reconfortantes y dan una sensación de sensualidad, amor, lo infinito, la unidad y la armonía.

Espiral: Significa vitalidad, se relaciona con las energías creativas.

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EL significado de los colores

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Como pintar un bodegón paso a paso.

1-Se dibuja sobre la tela el motivo elgido, previamente haber hecho una composición equilibrada.

2.Dar una aguada(pintura muy diluida) con el color correspondiente a cada objeto.

3. Entre directamente a poner materia y a trabajar con el color, intensificando las medias tintas las oscuridades y las sombras proyectadas por los objetos.

4.Dar entonces las luces usando el color correspondiente a cada objeto más el blanco.

Y este sería el trabajo terminado.

*Nota: Dejamos que se seque bien y luego lo barnizamos, con barniz de retoque, para proteger la pintura.

Esta obra aparece explicada del mismo modo en la Revista Materia Prima N° 67 de Óleo, Julio 2007.

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Las claves tonales

En un tema, pueden haber muchos tonos pero debemos reunir los que más se parecen, agrupándolos en tres categorías, tonos claros, intermedios y oscuros.

Solo debemos usar 3 tonos para dar un efecto de impacto. Con un tono claro iran 2 o 3 tonos intermedios y uno oscuro.

Debemos buscar en un tema, el color más oscuro y el más claro y de ahí resolver los colores que están entre ellos, los intermedios.

En un tema nocturno, primarán los colores oscuros, o la llamada clave baja.

Los paisajes nevados, dominarán los colores claros o clave alta. Se combinarán entonces colores intermedio y el negro.

En las claves media alta y media baja predominarán el tono intermedio bajo y el intermedio alto respectivamente.

En los paisajes con nieve, en consecuencia, no actuarán el blanco ni el negro.

Clave alta

Clave media

Clave baja

(Imágenes deseo aprender)
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La sección áurea

La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor.


De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618.

A lo largo de la historia de las artes visuales han surgido diferentes teorías sobre la composición. Platón decía: es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más perfecta relación de proporción.


Vitruvio, importante arquitecto romano, acepta el mismo principio pero dice que la simetría consiste en el acuerdo de medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el conjunto. Inventó una fórmula matemática, para la división del espacio dentro de un dibujo, conocida como la sección áurea, y se basaba en una proporción dada entre los lados mas largos y los más cortos de un rectángulo. Dicha simetría está regida por un modulo común, que es el número. Definido de otra forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en "rectángulo áureo". Se llega a la proporción a:b = c:a.


Dicho esto, y según Vitruvio, se analiza que al crear una composición, si colocamos los elementos principales del diseño en una de las líneas que dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio entre estos elementos y el resto del diseño.
fotonostra

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APRECIACIÓN ESTÉTICA

Apreciación Estética - Pintura Unidad I
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             ¿Que es la inspiración?

Todos los artistas en general y los pintores en particular nos hemos sentidos "inspirados" alguna vez pero esto nos acontece inconscientemente por lo que no sabemos como definirlo.
Pienso que es un sentimiento provocado por sensaciones que son provocadas por efectos visuales, como un paisajes, olfativos como el aroma a flores, auditivo como una bella música, etc.
Para poder estar predispuestos a la inspiración, debemos dejar a un lado los problemas, pensamientos negativos y estar atentos a cualquier mensaje de nuestro interior y sin miedo, dar rienda suelta a la creatividad.
Cuanto más pintemos, más expuestos estamos a que nos lleguen grandes ideas. Recuerdo a Picasso con su frase: "La inspiración existe pero debe encontrarnos trabajando".

Lo cual nos da a entender que la inspiración tiene mucho que ver con la constancia y el trabajo. Así aprenderemos a perderle el miedo a las ideas nuevas y que no nos atrevemos a expresar, debemos dejar salir nuestra creatividad.
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¿Donde radica la Creatividad?

Nuestro cerebro está dividido en dos hemisferios inter

conectados. El hemisferio izquierdo es el dominante, analítico, racionaliza nuestro entorno y es el encargado de ponerle nombre a todo. Se desarrolla por medio de lo que estudiamos y aprendemos. Pero como es dominante nos obliga a pensar como el quiere y opaca nuestro lado derecho, sin dejarle actuar.

Lo podemos comprobar en los niños que dibujan lo que sienten, lo intuitivo. Luego a lo largo de la vida lo vamos perdiendo a medida que van entrando a la educación. A veces es hasta incomprendida y criticada por los adultos, recibiendo opiniones despectivas, lo que lleva a alejarse del arte, al que está aprendiendo. 

Por eso es común encontrar profesionales que no son capaces de dibujar algo y más aún se sienten violentados cuando se les enfrenta a este desafío.

Mientras que nuestro lado derecho, tan calladito, es el creativo, intuitivo, sintetiza las cosas y crea ideas.

Debemos liberarlo de este dominio y dejar salir las ideas y aflorar la creatividad.  Ayudémoslo a desarrollarse y dejarlo crecer y no tener miedo a lo que el te sugiera.

Cuando estamos muy concentrados pintando algún tema, nuestro lado derecho se libera y actúa sin que nos demos cuenta y logramos cosas impensadas, sorprendiéndonos a nosotros mismo y entonces  decimos: "estaba inspirado".

Entonces ya sabes con que lado pintas y donde radica la creatividad.

M.Inés

Términos usados en pintura

Abigarrado: Pinturas que ofrecen mezclas de colores y formas desarmónicas.

Abocetado: Cuando se han realizado lineas en un dibujo o una pintura lo suficientemente simples como para sugerir un tema sin entrar en detalles.

Abstracto: Una forma de arte que no pretende representar la realidad, no representa objetos reales.

Aglutinante: Es el vehículo que aglutina o une el pigmento. En el caso del óleo es el aceite. En el temple es el huevo.

Aerografía: Aplicar pintura con un aerógrafo.
Aguafuerte: Es una forma de grabado que se hace con un a herramienta dura sobre una plancha de cobre, dibujando los motivos.
Aguada: Pintar con pintura muy diluida en el solvente indicado.
Alegoría: Representación gráfica de una idea mediante figuras que la simbolizan.
Amarrar: Se usa para dar armonía a un cuadro mediante los colores. Un color tiene que participar en varias partes de la obra, ya sea mezclado o solo.
Ambiente: Es la atmósfera que se crea entre la relación espacio-composición.

Carboncillo: Es una barra delgada formada por una rama carbonizada de sauce o parra, con la cual se dibuja.

Claroscuro: Técnica pictórica que utiliza tonos fuertes contrastados para definir formas, objetos figuras y volúmenes surgiendo de la oscuridad.

Conté: Lapiz grafito creado por el francés Nicolás Jacque Conté.

Cuadro matérico: Es aquel realizado a base de materiales como arena, arpilleras, gravilla, madera, etc. y que desborda el cuadro.

Estarcido: Técnica por la cual se aplica la pintura mediante un pincel con pintura, raspado en una superficie con hoyos para hacer salpicar o caer la pintura sobre un papel que está abajo.
Claroscuro: Técnica mediante la cual se da a la pintura un efecto 3D, variando los colores de los objetos con tonos claros y oscuros.
Colores primarios: Los tres colores de los cuales se derivan todos los demás : rojo, amarillo y azul.

Colores secundarios: Son los que resultan de la combinación entre los primarios.

Colores complementarios: El complementario de cualquiera de los colores primarios, surge de la combinación de los otros dos colores.

Díptico: Pinturas conformada por dos cuadros que se complementan

En plein air: Al aire libre.
Esgrafiar: Colocar una delgada capa de color encima de otro en pinceladas que dejan entrever el fondo.
Grisalla: Pintura monocromática en tonos grises. Los artistas renacentistas las usaban para imitar los relieves escultóricos.
Intimismo: Estilo usado por un grupo de pintores en que se representaban los interiores
domésticos burgueses, de manera informal e intimista.
Pictorismo: Representación de la figura mediante el colorido más que por la forma.
Tondo: Pintura circular.
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                   La Luz en la Pintura

La luz es la que nos permite ver las cosas y apreciar sus formas. La luz y el color están estrechamente ligados, y también tiene participación en la perspectiva.
La luz artificial, como la de las ampolletas o velas, refelja en los objetos una luz amarillenta y contrastes entre muy fuertes, entre la luz y la sombra.
La luz natural, que proviene del sol, es más suave en los contrastes.
Según de donde venga la luz, se puede clasificar como luz ambiente y luz proyectada.
La luz ambiente, no proyecta sombras de la figura, ni sombras proyectadas por ella, por ejemplo en la pared. 
La luz proyectada, como la que entra por una ventada, o lámpara produce sombras propias del objeto y las que el proyecta. Es esta luz la que moldea los objetos y nos dice que forma tienen.
Por su intensidad, la luz puede incidir en el colorido y en la luminosidad de la obra en total.
La luz se representa generalmente por la degradación de valores tonales (claroscuro).
Se utiliza la gama cálida para las luces y la fría para las sombras.
*Nunca las sombras son tan oscuras que no dejen ver lo que hay bajo lo que están proyectadas. Osea nunca son negras, nunca son absolutas.
También podemos nombrar el contraluz, que como su nombre lo indica, la luz viene de atrás del objeto.

Claroscuro

Contraluz

Luz proyectada

Luz con incidencia en toda la obra

I. Carod
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Como elegir al comprar un cuadro

Esta es la duda que tenemos al redecorar o decorar por primera vez nuestro living, salita de estar, o comedor.
Instalamos nuestros muebles nuevos, alfombras, lámparas, ya todo está listo pero tenemos un espacio vacío en nuestra pared que nos está diciendo que ahí falta algo.
Entre las alternativas, nos decidimos por colocar un cuadro. Pero que cuadro, ¿una acuarela, una litografía, un cuadro de algún pintor famoso?
Bueno todas estas ideas son válidas, pero debemos ver lo que se adecúa a nuestro presupuesto, para decidir si queremos simplemente algo decorativo o algo que cumpla con la función de adornar y embellecer el lugar y que sea una obra de arte.
Entre los pintores hay algunos que siendo muy buenos, se pueden ajustar a un presupuesto medio y evidentemente los hay de elevadas sumas de dinero, siendo nuestro presupuesto el que decida.
Luego de esto elegiremos nuestro cuadro y he aquí las consideraciones que debemos tener.
Lo primero, es que nos guste el tema, el colorido y las a soluciones pictóricas. Luego vemos si el tamaño nos acomoda para el lugar, nunca tan grande ni tan pequeño.
Generalmente, es amor a primera vista y tratamos de acomodarlo a un lugar, pero aquí lo haremos con el fin de acomodarlo a nuestro espacio.
Otro tema aparte son los coleccionistas, que va por el lado netamente artístico y en nuestro caso no va por ahí.
Los cuadros netamente decorativos, son muy vistosos y adornan bien un espacio, pero tenemos que saber que solo se trata de una artesanía.
La diferencia entre un pintor con técnica y academia es que puede fácilmente hacer un cuadro decorativo. Pero no sucede lo mismo con los que solo hacen obras decorativas.
Entonces debemos escoger de preferencia un autor con un buen currículo, aunque no sea de renombre y si lo es, tanto mejor.
Hablando ahora como decoradora:
También veremos que los colores convinen con algún mueble, lámpara o adorno que tengamos en nuestro living.
También los cuadros figurativos darán el realce adecuado, solo que si nuestra pared tiene un color fuerte o varios colores, nuestro tema será más bien monocromo, pero si es de un tono claro y pálido, como el blanco, nuestro cuadro podrá ser de muchos colores.
Los paisajes, las figuras humanas, flores y temas de animales, se llevan en el living.
Los bodegones se usan principalmente en el comedor o cocina, en esta última se puede poner un grupo de cuadros pequeños, colocados en diferentes alturas.
Las flores se usan en salitas de estar y dormitorios.
Las figuras humanas son aptas para dormitorios, escritorios y living.
Para darle más protagonismo a nuestras obras le ponemos una luz centrada arriba, iluminando el punto áureo del mismo. Esta luz debe ser cálida o dicroica para que no altere los pigmentos de la pintura.
Finalmente debemos elegir un cuadro que vaya con nuestro estilo y personalidad.
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Comprar Arte


Hablando de comprar arte, ya como coleccionista, debemos tener algunas consideraciones más serias que cuando uno compra una obra puramente decorativa, lo que no quiere decir que la obra de arte no sea bella y ayude en el lucimiento de nuestros ambientes, pero no se queda solo en la decoración si no que trasciende más allá.
Estos son algunos puntos que debemos considerar
El catalogue raisonné: el catalogue raisonné, es un listado extensivo de las obras de un artista que incluye detalles sobre la procedencia de cada pintura, su condición general y las imágenes de cada pintura.
Procedencia: la procedencia es un documento que detalla a quién perteneció el cuadro, su estado y dónde ha sido exhibida. La procedencia ayuda a validar la autenticidad de una pieza y los vendedores deben proporcionar la procedencia de los cuadros originales. La procedencia de cuadros más viejos puede estar incompleta o no existir como documento, se puede haber perdido o dañado.
Prueba de autenticidad: aunque es difícil decir sin dudar que una pintura es una obra original auténtica de un artista en particular, pide la prueba de que un experto acreditado estudió la pintura y verificó su autenticidad. Este evaluador deberá proporcionar credenciales que demuestren su experiencia en un estilo particular, género o artista. No aceptes ningún tipo de certificado de autenticidad; el mundo de arte generalmente no los utiliza.
Atribuido a: las palabras "atribuido a" indican que un experto evaluó el estilo de la pintura junto con otros factores y determinó que un artista en particular probablemente fue el autor de la pintura. Sin embargo, el experto no podrá confirmarlo definitivamente.
mercadolibre
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Comprar arte para coleccionar


¿Qué tipo de artistas debería coleccionar? Lo más importante es que elijas un artista cuya obra te guste. Si vas a comprar una obra de arte y tenerla durante un tiempo en tu casa, lo lógico es que te guste. Los estilos artísticos también están sujetos a modas y tendencias. En el pasado ha sucedido que se observó un descenso en la cotización de Pop Art, por eso ten en cuenta que también podría sucederle a las obras que adquieras.


En cualquier caso, si estás pensando en comprar piezas que se revaloricen con el tiempo, ten en cuenta algunas reglas generales:


Artistas Famosos: Las obras de maestros contemporáneos, ya sean del siglo XX , o contemporáneos, son apuestas seguras. Dado que los artistas tienen una producción limitada, sus obras tienden a mantener sus precios y generalmente a incrementarlos.
Artistas Establecidos: Son artistas que tienen una trayectoria que demuestra numerosas exposiciones, y que están labrándose un nombre. Aunque no son muchas las oportunidades que tienen de convertirse en una estrella del arte, sus precios son bastante estables y son muchas las posibilidades de que aumenten con el tiempo, en la mayor parte de los casos. Al contrario que en bolsa, el mercado artístico tiene poca liquidez.
Jóvenes Promesas (Establecidos): Estos artistas se consideran prometedores debido a su formación, su talento, las tendencias actuales y tienen potencial para ascender rápidamente. Comparándolos con la bolsa, son como las jóvenes empresas o las empresas de tecnología, no se puede estar seguro de la cotización que alcanzarán en el futuro. Por otro lado, existe la certeza de que el valor de sus obras no caerá.
Artistas Emergentes: Estos artistas son aquellos cualificados para realizar obras de calidad, especialmente sin han expuesto en alguna galería conocida. Sin embargo, todavía están empezando en su carrera, y una vez más, la posibilidad de que un artista se convierta en un Maestro Contemporáneo con el paso del tiempo es muy pequeña.
Coleccionar arte es una pasión. Una vez que empiezas, seguirás por este hermoso camino durante bastante tiempo.
PicassoMio
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            "LOS ELEMENTOS DE LA COMPOSICION EN LAS ARTES VISUALES"

                       

"LA COMPOSICION"

La "forma" es un elemento; el "uso" de la forma es compositivo.

Los elementos básicos de la comunicación visual son:Forma:Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en nuestra percepción. Es la línea visible del dibujo, tiene largo y ancho. Su color y textura quedan determinados por los materiales usados y como se usan. Tienen forma, color, medida y textura. Son la parte más prominente del diseño.

    Posición: Es juzgada por su relación respecto al cuadro de las estructuras.

    Medida: El tamaño de las formas. Es relativo si lo describimos en términos de magnitud y pequeñez, pero así es físicamente mensurable.

    Dirección: Depende de cómo está relacionada con el observador, con el marco que la contiene o con otras formas cercanas.

    Espacio:Puede ser ocupado o Vacío, también liso o puede ser ilusorio para sugerir profundidad.

    Gravedad: Esta no es visual sino psicológica. Es la tendencia a atribuirle peso o ligereza, estabilidad o inestabilidad a formas o grupos de formas, y a individuales. Una forma se distingue de sus cercanías por medio del color y su intensidad. El color se utiliza en su sentido amplio, comprendiendo no solo los del espectro solar sino asimismo los neutros (blanco, negro, los grises intermedios) y así mismo sus variaciones tonales y cromáticas.

    Textura:Se refiere a las cercanías de la superficie de una forma. Puede ser plana o decorada, suave o rugosa y puede atraer tanto el tacto como la vista.

    Elementos de Relación: Este grupo de elementos gobierna la ubicación y la interrelación de las formas en un diseño. Algunos pueden ser percibidos, como la dirección y la posición; otros pueden ser sentidos, como el espacio y la gravedad.

    Representación: Cuando una forma ha sido derivada de la naturaleza o del mundo hecho por el ser humano, es representativa. Puede ser realista, estilizada o semi-abstracta.

    Significado: Se hace presente cuando el diseño transporta un mensaje.

    

    Función: Es el propósito para qué sirve el diseño.

 Algunos factores que afectan la composición de un cuadro son:

    Forma y proporción: de los elementos

    Balance: entre los elementos.

    Armonía: o consistencia entre los elementos.

    La orientación de elementos: el área dentro del campo visual utilizado para el cuadro. La trayectoria o la dirección seguida por el ojo del espectador cuando observa la imagen.

    Espacio: negativo y positivo

    Color: matiz, tono, contraste, luminosidad.

    Contraste: el valor, o grado de tonalidad de luz y de oscuridad usado dentro del cuadro.

    Balance de la geometría: por ejemplo, uso del "medio de oro", (teoría respecto a la composición o posición del        peso geométrico)

    Ritmo: direcciones e interacción entre los componentes.

    Iluminación: tonalidad colorística, claro oscuro y/o posición de la luz y sus intensidades.

    Repetición: que construye a veces un patrón; el ritmo también entra en el juego geométrico, romper reglas o 

    

    patrones puede crear variedad, tensión, curiosidad e inquietud.

   Punto de vista: La posición del espectador.

    Perspectiva: lineal y atmosférica

REGLAS O PRINCIPOS:

          La composición convencional puede ser alcanzada utilizando un número de principios:

       1.- Debe haber un centro del interés o foco en el trabajo, de prevenirlo que se convierte en un patrón en sí                   mismo.

       2.- La dirección seguida por el ojo del espectador debe conducir la mirada fija del espectador alrededor de                   todos los elementos en el trabajo antes de conducir fuera del cuadro.

       3.-  El tema no debe tener revestimientos fuera de la imagen.

       4.- Un tema móvil debe tener espacio en frente.

       5.- Las bisecciones exactas del espacio del cuadro deben ser evitadas.

       6.- El contraste pequeño - alto, son elementos que tienen tanto impacto como elementos más grandes, más                   embotados.

       7.- El tema prominente debe ser excéntrico, a menos que se desee una composición simétrica o formal, y se                 puede balancear por elementos basados en los satélites más pequeños.

       8.- La línea del horizonte no debe dividir el trabajo de arte en dos porciones iguales.

       Simplificación:

                          Las imágenes con alboroto o desorden pueden distraer de los elementos principales dentro del cuadro y hacerlo difícil de identificar el tema. Disminuyendo el contenido "extraño" o "incomprensible" de la composición, es más probable que el espectador se concentre en los objetos primarios o importantes.

El alboroto se puede también reducir con el uso de la iluminación, mientras que las áreas más brillantes de la imagen tienden a atraer el ojo, al igual que las líneas, las formas y el color. En la pintura, el artista puede utilizar el trazo de pincel menos detallado y definido hacia los bordes del cuadro.

DIRECCION:

Geometría y simetría:

             La “regla de probabilidades” sugiere que un número impar de temas en una imagen sea más interesante que un número par. Así si usted tiene más de un tema en su cuadro, la sugerencia es elegir un arreglo con por lo menos tres temas. Un número par de temas produce simetrías en la imagen, que puede aparecer menos natural para una composición naturalista, informal.

Se relaciona con la regla de probabilidades la observación que los triángulos son una forma estético implicada que satisface dentro de una imagen. En una cara canónico atractiva, la boca y los ojos caen dentro de las esquinas del área de un triángulo equilátero, por ejemplo; Paul Cézanne, los triángulos con éxito usados en sus composiciones aún tienen vigencia.

 Línea y forma:

                           Las líneas horizontales no existen en naturaleza, sino son los fenómenos ópticos creados cuando las superficies curvan lejos del espectador. No obstante, líneas como formas están para todos los intentos considerados, la línea es elemento por el artista; por ejemplo, teléfono y cables o aparejo de transmisión en los barcos. Cualesquiera sean los elementos, pueden estar de uso dramático en la composición de la imagen.

Además, las líneas menos obvias se pueden crear, intencionalmente o no, que influencian la dirección de la mirada fija del espectador. Éstas podrian ser las fronteras de áreas del color o del contraste que diferencian, o secuencias de elementos discretos, o el artista puede exagerar o crear líneas quizás como parte de su estilo, para este propósito.

   Muchas líneas sin un punto sujeto claro sugieren caos en la imagen y pueden estar en conflicto con el carácter, sensación o humor que el artista está intentando evocar.

MOVIMIENTO:

   El movimiento es también una fuente de la línea, y la falta de definición puede también crear una reacción.

Las líneas sujetas por medio de la ilusión contribuyen a lo sensitivo y a la perspectiva lineal, dando la ilusión de la profundidad.

Lineas oblicuas o diagonales:

Las líneas oblicuas transportan un sentido del movimiento y las líneas angulares transportan generalmente un sentido del dinamismo que posiblemente lo tense aún más. Las líneas pueden también dirigir la atención hacia el tema principal del cuadro, o contribuya a la organización dividiéndola en compartimientos.

  El cerebro a menudo inconscientemente lee las líneas y las continua entre los diversos elementos y temas en las distancias que varían, de este modo enriqueciendo la percepción del conjunto o composicion del tema.

Líneas rectas:

                        Las líneas horizontales, verticales, y angulosas todas contribuyen a crear diversas sensaciones en un cuadro. El ángulo y la relación al tamaño del bastidor ambos trabajan para determinar la influencia que la línea tiene en la imagen. También son influenciados fuertemente por el tono, el color, y la repetición en lo referente al resto de la imagen.

Las líneas horizontales, encontradas comúnmente en el paisaje, dan la impresión de calma, de tranquilidad, y del espacio.

Una imagen llena de líneas verticales fuertes tiende a tener la impresión de alturas, y de grandeza. Las líneas fuertemente convergentes dan un efecto dinámico, animado, y activo a la imagen.

El punto de vista es muy importante al ocuparse de las líneas particularmente en pintura y fotografía, porque cada variante en la perspectiva crea una diversidad de posibilidades de temas.

Líneas curvadas:

                   Las líneas curvas se utilizan generalmente para crear un sentido del flujo dentro de una imagen.

 También generalmente más "estético" o "satisfactorio", pues los asociamos a cosas suaves. Comparadas con las líneas rectas, las curvas proporcionan una mayor influencia dinámica en un cuadro.

Las líneas curvadas con degradado de sombras cuando están apareadas con la iluminación suave direccional, generalmente da lugar a una línea de estructura muy armoniosa dentro de la imagen.

ELEMENTOS DEL  ARTE VISUAL  O PLÁSTICO:

Los elementos del arte son el grupo de aspectos de una obra de arte utilizados usualmente en su enseñanza y análisis, en combinación con los principios del arte serían los componentes o partes básicas para crear una obra de arte.

Las listas de los elementos del arte varían en función de las diferentes artes visuales, pero en general incluyen las

 siguientes: espacio, color, forma, textura, valor y línea.

Los artistas trabajan con estos elementos básicos para componer una obra de arte, no siendo necesario que aparezcan todos, aunque han de estar presentes, al menos, dos de ellos.

    1 Espacio

    2 Linea

    3 Forma

    4 Color

    5 Textura

    6 Valor, Luminosidad o Luz

    

ESPACIO:

El espacio es el área proporcionada por un motivo particular. Puede tener dos dimensiones (largo y ancho) o tres (largo, ancho y altura).

La creación de una perspectiva visual, que da la ilusión de profundidad es otro elemento de arte utilizado para crear un espacio. En las técnicas pictóricas clásicas hay un esfuerzo por recrear un espacio tridimensional. El uso correcto del espacio es un arte en sí mismo.

El espacio puede ser clasificado como positivo y como negativo. Espacio positivo es el espacio ocupado por un objeto y espacio negativo es el espacio entre los objetos (espacios en blanco o en negro).

La manera correcta de usar estos dos tipos de espacios afecta a la totalidad de la composición del artista basada en el volumen, pueden ser imágenes bidimensionales o tridimensionales para dar una ilusión de profundidad y la distancia sobre una superficie plana.

 La gestión del espacio puede ser garantizada por lo siguiente:

1.- La perspectiva lineal, donde los objetos distantes se hacen proporcionalmente más pequeños que los más cercanos. El horizonte lineal y puntos de fuga son las escalas en que se determina la perspectiva lineal.

 2.- Los objetos situados a cierta distancia se representan con menor detalle, claridad e intensidad que los cercanos.

 3.- La obra en tres dimensiones del espacio se realiza con la ayuda de la sombra, que le da una sensación de profundidad.

Un espacio también puede ser creado con la superposición de objetos.

LINEA:

La línea es el medio más sencillo de representación. De manera fácil puede definirse como la marca (con mayor longitud que anchura) que une dos puntos, tomando cualquier forma en el camino o también el camino identificable creado por un punto que se mueve en el espacio. Las líneas pueden ser rectas o curvas, horizontales, verticales o diagonales, finas o gruesas.

Por oposición al color, la línea puede definir el contorno de las formas.

En pintura, cuando la línea, el dibujo, predomina sobre lo pictórico, se habla de "arte lineal", (dibujo, grabado, aguafuerte)

En una obra de arte en particular, la línea permite describir el trabajo del artista en diferentes aspectos, en función de los tipos y estilos de líneas utilizados en su obra y cómo esto influye en el punto de vista del espectador.

FORMA:

La forma es una zona que define objetos en el espacio. Puede ser geométrica (como cuadrados, triángulos o círculos) u orgánica (como formas naturales o libres).

Las formas pueden ser bidimensionales (largo y ancho en pintura), usualmente delimitadas por líneas o pueden ser tridimensionales (largo, ancho y altura en escultura).

 Al visualizar una obra de arte, lo primero que observamos son representaciones con una forma determinada, ya sean figurativas o abstractas.

Una forma (ejemplo: del "espacio positivo") crea automáticamente otra forma alrededor de ella. (ejemplo:del espacio "negativo").

Las formas en la decoración y diseño de los interiores de una casa pueden usarse para agregar practicidad y estilo, como por ejemplo, en el diseño de una puerta. La forma en el diseño de interiores depende de la función del objeto como una puerta de armario de la cocina. Las formas naturales que forman patrones en madera o piedra, pueden ayudar a aumentar el atractivo visual en el diseño de interiores.

COLOR:

El color es el elemento más expresivo del arte y es visto mediante la luz reflejada en una superficie. El color es utilizado también para crear la ilusión de profundidad, ejemplo: mientras los colores rojos parecen acercarse, los azules parecen retroceder en la distancia.

 Los colores primarios son: rojo, azul y amarillo.

Cuando los colores primarios se mezclan se crean los colores secundarios: verde (amarillo y azul), violeta (rojo y azul) y anaranjado (amarillo y rojo).

Los colores terciarios se obtienen mediante la mezcla de un primario y un secundario: amarillo- anaranjado, rojo-naranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde.

TEXTURA:

La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay dos tipos de textura: la óptica (visual) y la textura que se puede tocar (táctil). Las texturas pueden ser ásperas o suaves, blandas o duras. Las texturas no siempre se sienten como se ven, por ejemplo, si representamos un cardo lleno de espinas en un cuadro, en realidad si pasáramos la mano por las espinas de la pintura, la textura sería suave. La textura ayuda a la

 comprension del elemento.

VALOR, LUMINOSIDAD o LUZ:

El valor, luminosidad o simplemente, luz, describe cuán oscuro o claro es un color. Los artistas utilizan el valor del color para crear diferentes estados de ánimo. Los colores oscuros en una composición sugieren una falta de luz, como en el caso de la noche o una escena interior.

Los colores oscuros a menudo pueden transmitir una sensación de misterio o presagio.

Los colores claros suelen describir una fuente de luz, implícita, como en las velas de un cuadro de Georges de la Tour o explícita como en un cuadro de Caravaggio, o una luz reflejada.

El valor está directamente relacionado con el contraste.

La fotografía, dibujo o pintura en blanco y negro dependen por completo del valor para definir a los sujetos de la composición.

Alex Perez

Marzo 2015

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 Colores Negro y Blanco

Color Negro:
La palabra negro proviene del latín NEKW-T-=Noche.
El negro es la ausencia total de color, es de claridad nula y acromático.
El color negro, no se logra con la combinación de los tres colores primarios, rojo, amarillo y azul, los que al mezclarlos dan un gris pálido. Para llegar al negro total, es necesario añadir algo de tinta negra.
Generalmente la mayoría de los pintores ( de óleo y acuarelano usan el negro, ya que tiende a ensuciar los colores con los cuales se mezcla. Se usa  en algunos tipos de pintura como el afiche, o  los que no utilicen mezclas de colores.
Se asocia el color negro, la oscuridad, lo negativo, el infinito, la tristeza, mala suerte, invierno, etc., en general cosas negativas.

Color blanco:
El color blanco es la conjunción de todos los colores.
La palabra blanco proviene del latín "BLANCUS".
Al igual que el negro, no se puede obtener de la mezcla de los tres colores primarios, por razones obvias. Para poder hacer el blanco en ciertas técnicas como la acuarela se logra dejando sin pintar el papel, en el lugar que va el blanco, o pintantando con pigmento blanco.
Para pintar con un color blanco tenemos que recurrir a los pigmentos, los que se preparan a base de carbonato de plomo ( Albayalde), substancia tóxica.
En 1785 el francés Guyton de Moreau, descubrió el blanco de zinc, que no es toxico. Es un blanco frío, poco cubriente y algo azulado.
En 1834, se desarrollo el blanco óxido de zinc, al que se le llamó blanco de china, que es más espeso.
En 1916 y 18 químicos noruegos y estadounidenses, desarrollaron el blanco de Titáneo, que es más duradero y estable, no se cuartea ni es tóxico.
El color blanco es asociado a la pureza, buenas vibras, cosas mágicas, positivismo, día, luz, etc.