ARTE DIGITAL

Es una disciplina de las artes plásticas, en la que para su realización se requiere de elementos digitales para producirlo y exponerlo, tales como la computadora, que en base a diversos programas,calcula y diseña para crear una imagen. Las técnicas utilizadas son variadas, como la 3D.

Charles Csuri, es considerado el impulsor del arte digital mediante computador y de la animación. Fue el primer pintor en ganar el concurso de la revista Computer and Automations, con un retrato suyo tratado mediante un programa de computación.

ESCULTURA Y PINTURA EN ESTADIO ESPAÑOL-Entrevista

"Esteatopígea", Vicente Frades

Con motivo de la exposición "Ex Toto Corde" de pintura, escultura y forja que se llevará a cabo desde el jueves 8 al martes 30 de septiembre en la sala de exposiciones “El Greco” de Estadio Español de Las Condes, a manos de la Sra. María Inés Carod y del Sr. Vicente Frades, hemos querido conversar un poco con ellos para que nos cuenten sobre sus orígenes, sus expectativas en la exposición, y en general sobre su vida en Estadio Español.

Don Vicente, nacido en Salamanca, y su señora María Inés, hija de madre Santanderina y de padre Aragonés, comparten la misma pasión por el arte desde sus días como estudiantes universitarios en la Universidad de Chile, y tras más de 44 años de matrimonio aún siguen disfrutando tanto de la pintura, en el caso de ella, como de la forja y la escultura, en el caso de él.

¿Cómo se conocieron?

Don Vicente:

Nos conocimos en la universidad. Resulta que ambos estudiamos la misma carrera, Pedagogía en Artes Plásticas en la Universidad de Chile. Recuerdo que en esa época ambos habíamos llegado hace poco tiempo de España, en mi caso por estudios, mientras que ella había ido de paseo.

¿Qué tal ha sido su vida como profesores de arte?

Don Vicente:

La verdad es que por esas vueltas de la vida no hemos ejercido como profesores, sino que nos hemos dedicado a los negocios, y lo del arte ha quedado como un pasatiempo, pero uno muy fuerte y que de alguna manera u otra ha marcado nuestras vidas.

¿Cómo describirían su relación con Estadio Español’

Don Vicente:

Muy activa, ya que de una u otra forma siempre he estado relacionado con la Institución. Yo soy socio de la Sección Frontón y de la Sección Tenis, y en esta última fui su presidente por un tiempo, y hoy me desempeño como vicepresidente.

Doña María Inés:

Por mi parte también ha sido bien activa, ya que he tomado parte en todas las exposiciones de pintura realizadas por la Rama de Folklore del Estadio, y he participado en muchísimos talleres que se han impartido aquí a través de los años, pero siempre relacionado con las artes, y durante mucho tiempo fui jugadora activa de la Sección Tenis.

Es más, el Estadio ha sido parte importante en mi carrera como artista, ya que mi primera exposición la hice aquí.

Don Vicente:

Nuestras tres hijas, Verónica, María Pilar y Valeria Macarena, son socias de estadio también, es decir toda la familia forma parte de Estadio Español.

¿Qué expectativas tienen para la exposición?

Doña María Inés:

La exposición de septiembre en Estadio Español esta orientada a nuestros amigos, para compartir con ellos y hacerlos parte de nuestro arte. Nuestra única expectativa es disfrutar de una experiencia agradable entre familia y amigos.

Don Vicente:

Vamos a exponerles cerca de 14 esculturas y un poco más de 20 cuadros. La verdad creo que va a ser una bonita exposición.

Exponer en el Estadio debe ser algo muy especial para ustedes.

Doña María Inés:

Así es. No hay mejor lugar donde exponer nuestro arte que en Estadio Español, ya que aquí es donde está nuestra familia y nuestros amigos. Exponemos en nuestra casa.

Camino a Pullyhué

Entrevista hecha por José Luis Diez,

Periodista, departamento de comunicaciones.
Estadio Español

MAGDALENA MIRA, pintora chilena

"Hermana de la caridad", óleo 90 x 70 cm, 1884

Magdalena Mira Mena, pintora y escultora. Nació en Santiago en 1859, y falleció en la misma ciudad el 14 de octubre de 1930. Al igual que su hermana menor Aurora Mira, se dedicó a la pintura impulsada por su padre don Gregorio Mira quien era pintor aficionado y había sido discípulo del francés Raymond Monvoisin.

Posteriormente realizó estudios de pintura y escultura con los maestros Juan Mochi, Director de la Academia de Bellas Artes, y el escultor José Miguel Blanco. Las hermanas Mira pertenecieron a una distinguida y acomodada familia Santiaguina y crecieron en un ambiente en que se hablaba de arte y se escuchaba música clásica. Era común que se preocuparan por la decoración de iglesias y de pintar los techos y los suelos de su propia casa como ejercicio de su arte.
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AURORA MIRA, pintora chilena

Agripina Metella

Aurora Mira Mena, pintora. Nació en Santiago en 1863, y falleció en la misma ciudad, en diciembre de 1939. Inició estudios de pintura bajo la dirección de su padre Gregorio Mira Iñiguez, quien había sido alumnno del pintor francés avecindado en Chile Raymond Monvosin.

Mira impulsó a sus hijas Aurora y Magdalena a seguir la carrera artística. Aurora estudió con Juan Mochi, tercer director de la Academia de Pintura quien la guió y le permitió libertad de expresión en el uso de los colores y los temas.
A pesar de las dificultades que se presentaban a las mujeres artistas de esa época pues no podían ingresar a los cursos donde se estudiaba el cuerpo humano al natural, sino que debían hacerlo a través de modelos de yeso, ambas hermanas recibieron las mejores influencias de sus maestros, lo que les permitió proyectarse en una plástica femenina que se impuso por su fuerza, sensibilidad y personalidad.
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Flores y frutas

EL CUADRO QUE DA EL NOMBRE AL IMPRESIONISMO

                             Impresión, sol naciente 

La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre, por Claude Monet. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía, condicionó el formato, la técnica e incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo, cuando, en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.

MEL ODOM - ILUSTRADOR

Sun boy

Mel Odom, famoso ilustrador americano, nació en 1950, en Richmond. Se especializa en la Ilustración de Moda en la Universidad de Virginia Commonwealth University. A lo largo de su carrera ha ilustrado libros, revistas, cd etc.

Sus imágenes estilo Art Decó, están llenas de sensualidad y belleza plástica,  son de una cuidada técnica. Pone especial énfasis en las caras y puntualmente en los ojos, creando una misteriosa e inquietante mirada.

http://en.wikipedia.org/wiki/Mel_Odom_%28artist%29

CATHERINE ABEL- Pintora australiana

Golden Poppy Hour

Una artista que pinta la sensualidad de la mujer, con un estilo que pasa por varias influencias. Al comienzo toma a los artistas renacentistas como ejemplo, luego fueron Dalí y Picasso, apareciendo algo del cubismo en sus telas. Posteriormente su semejanza con Tamara de Lempicka es clarísima tomando de ella los contrastes violentos entre luz y sombra, los colores audaces y la elección de la mujer sensual, femenina y

sofisticada como tema principal, con sus melenas recortadas típica de los años 20, que me recuerda al Art Deco. Todas estas influencias dan como resultado el estilo propio de Catherine Abel, que a mi parecer guarda mucha semejanza con  De Lempicka.
Ella es Australiana y es en París donde comienza a crearse esta artista, alcanzando allí éxito y fama, lo mismo que en San Francisco. 
Retorna finalmente a Australia con su carrera consolidada. 

Berlin

Sunworshipper II

http://www.catherineabel.com/

EL EROTISMO EN LA PINTURA- Egon Shiele

Egon Shiele, nace en Tull, Austria en 1890 y fue sin duda uno de los pintores más importantes del expresionismo. Fue alumno de Klimt y junto a Oscar Kokoschka, funda la Neukunstgruppe.
 Klimt, lo proteje y le presenta importantes personajes quienes le encargan numerosas obras, llevandolo así a la fama. 
En 1908, presenta su primera exposición, con mucho éxito.
Su escandalosa vida le produce algunos problemas como el ser arrestado y encarcelado por pintar niños menores de edad, desnudos y en posiciones eróticas. También tiene una amante menor de edad, Wally Neuzil, con la que vivía y le servia de modelo, pero tenia 17 años, por lo que es acusado de corrupción menores, en 1912.
En 1914 se casa con Edith Harms, que le da estabilidad, e influenciado por Ferdinand Hodler, su pintura surge con una nueva fuerza, lo que le proporciona grandes éxitos en exposiciones realizadas en varios países europeos.
En 1918, muere su esposa embarazada de 6 meses, atacada por la epidemia de gripe española y 3 días después, el 31 de octubre, muere Egon Shiele.
El erotismo, la soledad y la destrucción física y moral del ser humano, que representa con sus firmes trazos, sobre fondos vacíos, son los temas recurrentes de Shiele. 

Biografía  y obras  

ADOLFO COUVE, un chileno con un estilo único

Adolfo Couve, un pintor que al comenzar a manchar la tela, ya tenía un cuadro, de pincelada rápida y tenue colorido, tenía el don de saber captar la luz,en forma genial. Su estilo intimista, que el lo define como " un realismo nostalgico" y "la realización de un Talento".
Nació en Valparaíso el 28 de marzo de 1940 y pasó su niñez en LLay-Llay.

Luego ya adulto, compró una hermosa casa en Cartagena, donde pintaba y escribia, ya que poseia esas dos pasiones.
Fue un artista solitario y excéntrico, aquejado de profundas depresiones que finalmente lo llevaron al suicidio  el 11 de marzo de 1998.
Estudió en la escuela de Bellas Artes de Santiago de Chile y fué becado en 1963 para estudiar en Paris, en la École de Beaux Arts.

Conozcamos más de él, aquí

PINTURAS BAJO EL AGUA, Eric Zener

Eric Zener, es famoso por sus figuras sumergidas en el agua y el encanto de las burbujas subiendo a la superficie. Este es el tema predilecto, que ha desarrollado este pintor en los últimos años, en un estilo hiperrealista, o fotorrealista, o "contemporáneo renacentista", como se le ha llamado también.

Nació en Astoria, Oregón, en 1966, su padre, un psicólogo y su madre violinista. Estudió psicología y se graduó en la Universidad de California. Trabajó por un breve período vendiendo departamentos, para una empresa, lo cual abandonó pronto, tomando su mochila para viajar por el mundo. Hacía, en aquel entonces, dibujos y los canjeaba por alojamiento y comida. Es un artista autodidacta, que abandona la carrera que había estudiado, por su amor a la pintura.

En el 2003, vive en Barcelona, en La Costa Brava, donde nace su interés por los bañistas en la playa, y en las piscina y los interesantes efectos que producen los cuerpos al entrar en el agua, produciendo los efectos más bellos, reproducidos exquisitamente y que guardan reminiscencias con la pintura de la Escuela de Barbizon.

Actualmente vive en Hill Valley, California, con su esposa Julie, quién le ha servido de modelo, en varias ocasiones y sus tres hijos.

Su  página web:http://www.ericzener.com/z7/water/index.html o

http://www.ericzener.com/z7/index_2.html

GRAFFITI EN CHILE

"Los graffitis se han hecho cada día más conocidos; la mayoría de las murallas están pintadas y somos varios los que nos dedicamos a esto; no sólo lo hacemos en nuestro barrio o comuna, sino que salimos a buscar murallas vacías por toda la ciudad", señala el graffitero. "El Chelo" agrega que cada persona tiene un "tag", una firma, " y la mía es Use Mago, por ejemplo".
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EL CUADRO QUE DA INICIO A LA PINTURA MODERNA

Esta obra titulada "Cuadro al revés", pintado por Cornelis Norbertus Gijsbrechts, pintor nacido en Amberes, en 1630. Definitivamente abre las puertas al la pintura moderna, según el crítico Victor Stoichita.
Casi por broma, pintando "trampantojos", para engañar al espectador, realizó esta obra y el número 36, sería el precio, para los incautos. Este cuadro habría sido exhibido junto a otros trabajos de las mismas características, realizados para distraer y confundir al espectador.

EDGAR DEGAS PINTOR

Edgar Degas nace en Francia en 1834, en el seno de una familia acomodada. Comienza a estudiar derecho pero lo abandona por la pintura.
Realiza estudios de pintura con Lamothe, discipulo de Ingres, del cual sus obras se ven influenciadas, en sus inicios como pintor. Visita frecuentemente los Museos en sus ansias de aprender de los grandes maestros del Renacimiento.

 Posteriormente se inclina por el  movimiento impresionista y participa en varias exposiciones junto a pissarro, Monet, Renoir y Manet. Como impresionista le interesó captar el instante, pero no compartió la pintura al aire libre y los cambios de luces producidos en los paisajes. Se dedica a pintar escenas en interiores, en su taller representando la vida cotidiana y principalmente se interesa por la mujer.
Lo obsesionó el poder captar el movimiento y le dedica su atención, tanto a las bailarinas de ballet, como a las carreras de caballos.
Durante la década de 1880, su vista se ve afectada, pero continua, sin embargo pintando por 15 años más, dedicándose a los mismos temas.Finalmente fallece en 1917, en Paris.

www.arteespaña.com

ESCULTURAS DE DEGAS EN CHILE

Desde el 1° de septiembre en el Museo de Bellas Artes

Por años se pensó que había sido una extravagancia del artista, una muestra más de su personalidad rebelde. En 1881, el pintor Edgar Degas expuso, en el VI Salón Impresionista de París, la obra La pequeña bailarina de catorce años. De inmediato se desató la polémica. No sólo porque siendo Degas miembro del grupo de pintores impresionistas, en el que se contaban Monet, Manet y Cezánne, entre otros, el artista prefiriera mostrar una escultura antes que un cuadro, sino por la propia naturaleza rupturista de la pieza. Era de cera, medía unos 99 centímetros y representaba a una joven estudiante de danza en posición de espera, vestida con un tutú de algodón y una cinta afirmando el cabello que en realidad era una peluca. Este tipo de materiales nunca habían sido usados para una obra de arte y los críticos la consideraron más un esperpento adecuado para un museo de ciencia.

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Fuente La tercera

JACKSON POLLOCK y el Dripping

Nace en 1912, en Cody, Estados Unidos. Pasa su infancia en Arizona y California y en 1929 se establece en Nueva York, donde comienza sus estudios con Benton en el Art Student League. Era admirador de la pintura muralista mexicana.
Al comienzo su pintura era figurativa, aunque ya se notaba su predilección por la incorporación de materia en sus obras y resaltaba su cromatismo.
En 1938, comoienza a incursionar en lo abstracto e irracional y busca en el mundo de los indios americanos su inspiración.

Luego, adopta la técnica, del dripping,en 1947 y fué el comienzo de su exitosa trayectoria y apoyado por el crítico de arte Harold, se convierte en uno de los más importantes y significativo del expresionismo abstracto y del Action Paiting. Él es también el primero en eliminar la composición en las obras y en mezclar signos caligráficos con trazos pictóricos.
 En 1950, desarrolla una pintura semifigurativa en blanco y negro pero donde más se destacó fué con
sus grandes lienzos y emarañadas trama de líneas donde los trazos se entremezclan, causando gran impacto.

Muere en 1956, prematuramente en un accidente automovilístico. 


Fuente: http://www.biografiasyvidas.com 

ANDREW ATROSHENKO

                                         
Nació en 1965, en Pokrousk, Rusia. En 1977 es aceptado en la Escuela de arte, para niños superdotados, donde se graduó con honores en 1981. Posteriormente, en 1983, entra a la Bryansk Escuela de Arte y en 1991 es aceptado en la Academia de arte de San Petersburgo, la de mayor prestigio del mundo.
En 1992 se casa con María, compañera de estudios,la cual es actualmente crítica de arte, con quién tiene una hija, Alexandra, siendo ambas la mayor fuente de inspiración del artista.
Andrew, ha pitado como nadie la belleza de la mujer, con hermosos y vibrante colorido, el cual plasma en la tela con dinámicas y expresivas pinceladas.

JOAQUÍN SOROLLA, ILUMINISTA

La vuelta de la pesca 143 x 200 cm.

Joaquín Sorolla y Bastidas, nació el 27 de febrero de 1863,en Valencia  y es allí donde pasa su juventud. Cuando tenía 22 años, obtuvo una pensión para estudiar en la Academia Española de bellas Artes de Roma. Estudió allí durante 4 alos y luego retorna a Madrid donde se quedó a vivir. Pintaba por ese entonces enormes lienzos con contenido histórico, para presentar en exposiciones y al mismo tiempo desarrollaba un estilo propio de creación al aire libre, al cual, en 1900, se dedica totalmente, pintando escenas de playa, paisajes, escenas de jardín, etc.

 En sus cusdros se destaca el tratamiento genial, de la luz producida tanto por el sol brillante de Valencia, o la tenue luz del invierno sevillano, o la luz más suave de cantábrico y los verdes húmedos de los campos asturianos.
Sus contemporáneos lo admiraban y se ganó todos los premios europeos de arte.
Su muerte, acaece el 10 de agosto de 1923, en un momento en que su fama comenzaba a decaer por el  creciente ola de movimientos vanguardistas y el aislamiento de España por la guerra civil.

Te dejo su biogafía aquí   
Y como pintó alrededor de 2000 obras, puedes ver algunas aquí   


Fuente : "Joaquín Sorolla y Bastidas", Edmund Peel, Editorial Polígrafa

LOCURAS DE UN ARTISTA

El 12 de agosto de 1961, en ocasión de una exposición en la Galleria Pescetto de Albisola Marina, Piero Manzoni presentó por primera vez en público las cajitas de "Merda d’artista" ( "contenido neto 30 gramos, conservada al natural, producida y enlatada en el mayo de 1961" ). El precio establecido por el artista por las 90 cajitas (rigurosamente numeradas) correspondía al valor corriente del oro. Las cajitas de Manzoni tienen numerosos precedentes en el arte del Novecientos, desde el urinario de Duchamp ("Fontaine", 1917) hasta las coprolalias surrealistas. Salvador Dalí, Georges Bataille y antes que nada Alfred Jarry con "Ubu Roi" (1896) habían dado dignidad literaria a la palabra "mierda". La asociación entre analidad y obra de arte (y entre oro y heces) es un tema recurrente en la la literatura psicoanalistica que Manzoni puede haber recibido por la lectura de Jung. La novedad de Manzoni esta en haber conexionado estas sugestiones a una reflexión sobre la función del artista frente a la autoreferencialidad de la obra de arte. El cierre tautológico del Achrome (una superficie que no manifiesta ningún sentido, ni exibe una manipulación de la materia) y la invisibilidad la Línea, escondida en un contenedor sellado, crean una especular autoreferencialidad del cuerpo del artísta. Privado del objeto, y aún encantado por el recuerdo de su status heróico de artífice y productor, el artista encuentra una compensación por la pérdida invadiendo el espacio tradicionalmente asignado por el proceso comunicativo a la obra. El mismo cuerpo del artista se ofrece al público como una obra de arte, y las vestigias del cuerpo se convierten en reliquias. Así nace la Mierda de artista (vendida a peso de oro), el Aliento de artista ("Fiato d'artista", las globos inflados por el aliento vital del autor) y el proyecto de la Sangre de artista ("Sangue d'artista" ).


http://www.taringa.net/posts/arte/1864054/Merda-d_artista---Piero-Manzoni.html

ANÁLISIS DE LA PINTURA DE RUBENS (1577-1640)

Pedro Pablo Rubens, es el mejor representante de la Escuela Flamenca.
Mientras permaneció en Roma, recibió la influencia de Miguel Ángel de quién adquiere la ampulosidad de los cuerpos y la composición dramática. De Tiziano, rescata el color y la pincelada amplia y sintética, la preferencia por los desnudos y la mitología.Cuando realizaba sus obras, disponía de más de 200 ayudantes. Rubens hacía la composición y los retoques y sus colaboradores trabajaban los paisajes, animales, la arquitectura, etc.
Sus obras, gozaban de un dinamismo, en las figuras y la composición con esquemas diagonales. Su colorido, intenso y cálido inspirado en la pintura veneciana. Sus figuras exuberantes, con musculosos varones y mujeres carnosas y sensuales, agrupadas en composiciones de ritmo turbulento.
En sus temas mitológicos, introduce desnudos dinámicos y de carácter histórico alegórico que aparecen junto a divinidades del Olimpo.
En cuanto a sus retratos, más que la psicología del personaje, cuida el vestuario y el entorno como símbolo de estatus social.
Sus musas y modelos preferidas fueron Isabel Brandet Y Elena Fourmet, que curiosamente también fueron sus esposas.


Texto de referencia: http://www.peintre-analyse.com/rubenses.htm

PINTURA EN 3D, DE SHAKA

Hoy quiero mostrarles, esta novedosa manera de pintar. Su autor Marchal Mithouard, francés, más conocido como SHAKA, es el autor de estas pinturas-esculturas, que gracias a su manera de usar llamativos colores, en franjas, junto a luces y sombras y formando algunos relieves que salen de la tela y dejando algunos personajes medio difusos, da vida a estas notables obras. Logra un estilo muy especial con similitud con el graffiti.

Si les gustó, pueden ver más de él en su web

ELENA DUDINA, Fotomanipulación con Photoshop

Hace a penas dos años que realiza imágenes fotomanipuladas,  sus composiciones parecen saltar de las páginas de los libros de historias medievales y entrar en nuestro universo sensorial como hermosas criaturas místicas, sean  ángeles,  hadas, o, simplemente, representaciones de sueños de su infinita imaginación.
Sus obras son raras, y su proceso creativo es un largo camino para que sean perfectos y hermosos. "Cuando tengo la idea de lo que quiero, hago una composición general de los diferentes elementos para combinarlos es como un rompecabezas", dice Elena

OSWALDO GUAYASAMIN

Oswaldo Guayasamin, pintor ecuatoriano, nace en Quito el 6 de julio de 1919 y muere en Baltimore en 1999.
Desde pequeño muestra interés por la pintura y aunque sus padres se oponen, al final logra entrar a estudiar en la Escuela de Bellas Artes y recibe el título de pintor y escultor, en 1941.
En 1942, expone por primera vez en Quito provocando un revuelo por la marcada denuncia social, que encierran sus obras. 

Viaja a México y trabaja con Orozco, quién influirá en su obra ayudándole a formar un estilo propio.
En 1943 viaja a Estados Unidos para estudiar a Goya y El Greco, visitando sus obras en los Museos.
Allí también conoce a Neruda y viaja a Chile y otros paises sudamericanos para recoger ideas para su gran serie " , El camino del llanto", que tiene como tema a los indígenas oprimidos por la sociedad. Estas pinturas se exhiben por primera vez en la Casa de la Cultura de Quito. 
Guayasamin aúna en su estilo, la temática indígena, con los estilos de pintura vanguardistas, el cubismo y el expresionismo.
En 1957, recibe el Premio al Mejor Pintor de Sudamérica, otorgado por la Bienal de Sao Pablo, Brasil.

En 1960 recibe el Gran Premio del Salón de Honor de la II Bienal de Pintura, Escultura Y Grabado de México, lanzándolo a la fama internacional.
Francia le concede la Condecoración del Gobierno, entregado por primera vez a un artista latinoamericano.
Ecuador crea la Fundación Guayasamin en reconocimiento a su obra, en 1981, a la cual el artista dona sus obras. 
Sus obras fueron una voz de denuncia de los horrores y desastres del hombre.


Referencia hoy.com.ec

LA PINTURA UNIDA A LA POESÍA

             LA CABRA   Óscar Castro

La cabra suelta en el huerto 

andaba comiendo albahaca.

Toronjil comió después 

y después tallos de malva.

Era blanca como un queso, 

como la luna era blanca.

Cansada de comer hierbas, 

se puso a comer retamas.

Nadie la vio sino Dios. 

Mi corazón la miraba.

Ella seguía comiendo 

flores y ramas de salvia.

Se puso a balar después, 

bajo la clara mañana.

Su balido era en el aire 

un agua que no mojaba.

Se fue por el campo fresco, 

camino de la montaña.

Se perfumaba de malvas 

el viento, cuando balaba.

COLETTE CALASCIONE, surrealismo erótico

2 Faced Portrait

Colette, nace en San Francisco el año 1971, aunque se radica en Nueva York.
Su estilo clásico, en el cual mezcla el retrato Victoriano, con el surrealismo dadaísta, dan como resultado pinturas elegantes, provocativas y caprichosas, contandonos enigmáticas historias que ella deja al espectador adivinar el significado. Se declara admiradora de Max Ernst del cual se nota la influencia en sus obras, sobre todo en algunos collages.

Su trabajo parte de un minucioso dibujo, que a veces calca. Prepara una base de color Gris*, usada antiguamente, sobre el que dibuja el motivo para luego aplicar la pintura. Es autodidacta, aunque declara haber tenido clases de dibujo en sus inicios. Es una artista contemporánea, surrealista y que puedes conocer más de ella y sus trabajos aquí. 
 *Gris: color formado por: 1 capa de rojo tierra, 3 capas de color blanco y una de verde.


http://www.calascione.com/